American Idiot: una opera punk de Green Day

En la historia del rock han habido algunas operas rock famosas como Tommy de The Who y The Wall de Pink Floyd pero algo que se ha escuchado poco es una opera punk, lo cual sacó la banda Green Day en el 2004 con su disco American Idiot.

Nunca fui muy fanático de Green Day. Había escuchado el disco Dookie y, como cualquiera, conocía las canciones Basket Case y When I Come Around y fuera de eso nunca le había prestado mucha atención hasta que sacaron American Idiot, disco que me dejó muy sorprendido por la ambición tanto en lo conceptual como en lo músical. En este disco Green Day, formado por Billie Joe Armstrong en la voz y la guitarra, Mike Dirnt en el bajo y Tre Cool en la batería, supo componer canciones que llegaran al gran público y que, dentro de los estandares del punk rock, pudieran tener un valor diferencial en relación a las demás bandas y discos del género.  

American Idiot, como varios discos conceptuales, cuenta una historia y mantiene una coherencia tanto temática como musical al repetir melodías en momentos del disco y hasta a repetir también algunas lineas de letras para redondear bien los temas y la historia que cuenta. La historia del disco trata acerca de un adolescente llamado Jesus of Suburbia, el cual se describe a si mismo como un "son of rage and love" (frase que repite a lo largo del disco) y que vive en un pueblo norteaméricano que, según lo descrito en  las letras del disco, está situado en medio de la nada y representa la insatisfacción de la juventud (Jesus of Suburbia). Jesus of Suburbia decide irse del pueblo y probar vivir en la ciudad donde vive en la calle (Boulevard of Broken Dreams) y para sobrevivir crea un alter ego llamado St. Jimmy el cual es frio y violento (St. Jimmy). Ahí conoce a una chica llamada Whatsername (She's a Rebel, Extraordinary Girl) de la cual se enamora e idealiza, volviéndola el símbolo de la rebelión que él busca y admira. Lamentablemente para él, ella no aguanta más la vida en las calles de la ciudad y lo deja (Letterbomb). Jesus of Suburbia prueba vivir una vida más normal en la ciudad trabajando de empleado en una oficina hasta que no aguanta más y decide volver a su pueblo (Homecoming). El disco termina con él recordando a Whatsername y los dias que pasó con ella (Whatsername).

El disco toca temas como la soledad, la alienación juvenil, la inconformidad, la rabia, el amor, la decepción, etc. En general toca temas que cualquier persona joven se puede identificar y el exito del disco radica en que efectivamente, si uno se toma el tiempo de escucharlo bien y leer las letras, uno puede encontrarse con un par de líneas en que en algún momento uno ha dicho o pensado. Green Day, cuyos integrantes ya están entrando a sus cuarentas, supieron darle a la juventud, principalmente norteamericana, un album que representa y simboliza la insatisfacción que deben sentir por su pais desde hace un tiempo atrás y de ser parte de una sociedad que solo forma personas hechas según un molde específico.

Un ejempo de esto es la canción Jesus of Suburbia, la segunda canción el disco y en el que es presentado el protagonista. La canción es lo más cercano que puede haber entre punk rock o el rock alternativo con el rock progresivo en lo que estructura se refiere, al dividir una canción de nueve minutos en secciones con diferentes ritmos y melodías entre si. Con las letras se describe al personaje y al ambiente que lo rodea y como este ambiente reduce a sus habitantes a ser unos "American Idiots". "And there's nothing wrong with me, this is how I'm supposed to be, in the land of make believe that don't believe in me".

Como mencionaba más arriba, en el disco se encuentran canciones que salen del molde del punk rock y del alternativo como en el caso de la canción "Are We the Waiting" En esta canción se aproximan a lo que sería una composición más clásica y más cercana a las opera rock al incorporarle un coro con varias voces lo que le da un aire más épico. La canción es una de las más melancólicas del album mostrando un momento en la historia en la que el personaje Jesus of Suburbia reflexiona acerca de su vida y se encuentra en la espera de algo mejor. En este momento se da cuenta que necesita un cambio y es ahí donde nacerá su alter ego St. Jimmy. "The rage and love, the story of my life, the Jesus of Suburbia is a lie...". 

St. Jimmy es una canción importante del album en dos sentidos. Primero porque es la canción que narra el nacimiento de St. Jimmy, alter ego del heroe de la historia. St. Jimmy quiere ser el símbolo de la rebeldía dando la impresión de ser una persona peligrosa y violenta, lo necesario para sobrevivir en las calles de la ciudad. "I'm here to represent the needle in the vein of the establishment". La segunda razón por la cual es importante es porque en esta canción Green Day demuestra que todavía no han dejado el punk duro y la velocidad que lo caracteriza, siendo esta una de las canciones mas duras del disco.

Mi canción preferida del album es Letterbomb. En esta también se mantiene el estilo de punk rock más duro y además es el momento en la historia en la que Whatsername, chica que de la cual el protagonista se enamora e idealiza como símbolo de todo lo que él desea ser, lo abandona dejándole una carta. El golpe es doble para él porque no solo pierde a la chica de sus sueños sino que ella le demuestra no ser la persona que el creía que ella era. Whatsernasme lo empuja a seguir con el camino que él ha elegido y que no retroceda como ella. "You're not the Jesus of Suburbia, the St. Jimmy is a figment of you father's rage and your mother's love and made you the idiot America". La continua decepción es un tema clarísimo que se repite a lo largo del disco.

Como lo mencionaba más arriba, el album acaba con Jesus of Suburbia matando a su alter ego St. Jimmy y volviendo a casa. En la ultima canción y epílogo Whatsername, llamada como el amor perdido del protagonista, el protagonista recuerda a la chica la cual es el símbolo de toda una etapa de su vida que siempre va a estar atada a ella y que aun así pase mucho tiempo puede que la vaya olvidando poco a poco pero nunca las experiencias que pasó con ella. "And in the darkest night, if my memory serves me right, I'll never turn back time, forgetting you but not the time".

American Idiot de Green Day es uno de los mejores discos de los últimos 10 años. Es un ejemplo de que ,en esta época donde las bandas de rock no son conocidas por ser ambiciosas, todavía puede haber bandas que estén dispuestas a no solo pensar en singles y en sonar en la radio, sino que además piensen en que el contenido de un disco puede ser algo que el fanático pueda ser algo que lleve consigo mucho después de haber escuchado el disco. American Idiot es un disco que tiene la estupenda combinación de hacerte "rockear" y reflexionar. De escucha obligatoria.

Happiness: y si nos reímos de la pedofilia?

Quisiera comenzar el post advirtiendo que la cinta de la que hablaré y algunos temas que contiene puede herir ciertas susceptibilidades. Hay escenas de la cinta que se describirán de manera detallada dando algunos datos un poco explícitos. Más adelante entenderán el por qué del título.

Happinnes (1998) de Todd Solondz es una cinta dificil, políticamente incorrecta, sucia, por momentos pervertida, fuerte, dramática y por sobre todo graciosa que toca temas como la pedofilia, el acoso sexual, violencia sexual, la soledad, la hipocresía, etc. (ya están interesados?). Todd Solondz es un director que saltó a la escena a mediados de los 90s con una propuesta sencilla la cual fue mostrarle a la sociedad norteamericana todo lo que no quiere ver, que se encuentra detrás de la fachada de su "perfecta" sociedad. Happinnes no se aleja de eso mostrándonos personajes muy humanos y llenos de secretos y de dobles miradas. Encontramos familias que aparentan ser armoniosas pero que por debajo esconden tonterías como rivalidades secretas entre familiares hasta cosas más serias como padres de familia pedófilos.

Ls cinta trata de tres hermanas y los personajes que los rodean. Una de ellas, Trish, está felizmente casada con un psicólogo con el que tiene un hijo de 11 años aproximadamente. Lo que no sabe es que es que su esposo, intepretado magistralmente por Dylan Baker, es un pedófilo que trata de controlar sus bajos instintos pero sin exito. Por otro lado tenemos a Helen, escritora soltera y objeto de obsesión de su vecino, intepretado por  Philip Seymour Hoffman, personaje inseguro y un poco pervertido que vive frustrado por su falta de personalidad y valentía hacia las mujeres. El mayor placer que encuentra es llamarla a ella o a sus hermanas para hablarles de forma sucia mientras se masturba. Por último se encuentra Joy, una mujer insegura y con muy mala suerte en la vida. Ella se involucra con un inmigrante ruso que se aprovecha de ella pidiendole dinero y por último robándole. Para no hacer el post muy largo me centraré en el personaje que considero da más de que hablar.

Está de más decir que estos personajes no son perfectos. Son fallidos de alguna forma u otra y en algunos cosas de forma más grave. Lo interesante de la cinta es ver como sus personajes hieren a otros muchas veces sin darse cuenta o sin tener la intención de herirlas realmente. Lo que me enganchó de la cinta fue que todo esto que he ido describiendo hasta el momento está mostrado con humor y con ojo muy irónico, te ries y luego te reprochas por haberte reído. La primera escena de la cinta es una de las mejores que he visto. Te muestra un nivel de patetismo e incomodidad que se ven poco en en el cine norteamericano. Muestra un rompimiento y luego una pequeña venganza, el sueño de todo despechado. Solo esta introducción te asegura que estás viendo algo diferente.

Algo que me gustó mucho de la cinta fue su estilo. Solondz tiene siempre un estilo simple, económico, observador y siempre centrado en los personajes. Mantiene su estilo a lo largo de la cinta hasta en las escenas de "acción" como la que se ve en el siguiente clip. Noten la música que suena dando un toque irónico a la escena de violencia fria que se muestra. Solondz no da tregua a sus espectadores.

Eso es un sueño porsiacaso. Este personaje es, a mi parecer, el más interesante de la cinta. Se trata del padre de familia "perfecto" que tiene una fascinación perversa por los amigos de su hijo de 11 años. A lo largo de la cinta se ven algunas escenas en las que tiene conversaciones padre-hijo con su hijo  acerca de sexo. Estas escenas son completamente incomodas de ver. El hijo le pregunta acerca de la masturbación, el tamaño de su pene, sin saber que su padre es un pedófilo. Nosotros notamos en él una fascinación controlada por hablar de estos temas y de paso saber detalles de los amigos de su hijo. En teoría puede ser visto como algo normal que padres e hijos tengan en algún momento de su relación una conversación acerca de sexo y lo genial de la cinta es como agarra eso y lo deforma de forma sutil y lo vuelve una situación perversa.

Puse "y si nos reímos de la pedofilia?" en el título porque la cinta reta al espectador a mirar de forma no condenatoria a un personaje haciendo cosas horribles y para colmo ciertas situaciones se ven de forma un poco graciosa. En un momento el papá está tratando de dormir a su familia y a un amigo de su hijo para poder abusar de él. La situación está armada como si fuera un niño haciendo una travesura. El señor falla una y otra vez en tenerlos a todos dormidos hasta que finalmente logra hacerlo.

Obviamente por el tema tienen que llegar algunos momentos dramáticos. El padre de familia "perfecto" es descubierto por la policia y tanto su vida como la de su familia se ha derrumbado. El hijo, luego de varias conversaciones de sexo con su papá en la que mostró mucha inseguridad, se sienta con él ha preguntarle detalles de lo que hacia con sus amigos y el papá le cuenta que es lo hacía con ellos con resignación por la suerte que le espera pero sin mostrar arrepentimiento alguno. El clímax llega cuando el hijo le pregunta si haría lo mismo con él y su padre le responde que no, que solo se masturbaría. Acto seguido el hijo se pone a llorar y uno siente que llora porque lo siente como una suerte de rechazo. Es sin dudas una escena única la cual puede chocar a muchas personas.

Cosas así solo se ven en las cintas de Todd Solondz. Cuando la vi a los 16 años me quedé sorprendido por la tranquilidad en que el director mostraba estas situaciones como si fueran cotidianas, haciéndome pensar que la gente puede esconder mucho detrás de las paredes de su casa o de su aparente felicidad y perfección. Los monstruos de nuestra sociedad no siempre son los criminales que vemos escapando de la policia, los podemos tener como vecinos o de forma más cercana.

Como nota anecdótica, este film lo vi por segunda vez en vhs con un amigo y unas amigas por recomendación mia. No volví a ver a esas chicas por mucho tiempo.

The Wall: el aislamiento de una estrella de rock según Roger Waters (parte 2)

Como lo prometí hace una semana, para esta ocasión voy a terminar de escribir acerca del genial disco doble conceptual The Wall de Pink Floyd. En la primera parte hablé acerca del estado de la banda para el año 1979, año en que salió el disco. También explique el origen del concepto del album y revise las que son, a mi parecer, las canciones más importantes del primer disco y la parte de la historia que cuenta. Para esta ocasión continuaré con el segundo disco pasando por las canciones más improtantes y dando algunas reflexiones sobre la segunda parte de la historia y algunas conclusiones finales.

La primera parte del album termina con el protagonista completamente encerrado en esta pared creada en su cabeza en la que detrás de ella se ha refugiado de todo lo que considera fueron piezas fundamentales para su actual estado mental. En la segunda parte el personaje vive encerrado en su cabeza y empieza a notar poco a poco que este estado el cual antes consideraba ideal no lo es realmente. Su mente le empieza a jugar malas pasadas, se imagina a si mismo en un concierto saliendo al escenario convertido en  un dictador fascista persiguiendo a sus propios fans. También empieza a sentir como su cabeza le pide que derrumbe esta pared y esto se simboliza en los "worms" o gusanos que empiezan a comerle el cerebro. Finalmente nuestro protagonista pide liberarse de ese aislamiento pero sin antes pasar por un juicio que su propia conciencia le exige donde reaparecen todos los simbolos de sus traumas (la madre, el profesor de colegio, la esposa).

Musicalmente considero que este segundo disco es diferente al anterior. Tiene canciones más cortas que hacen que se sienta más la sensación de opera rock al tener tracks que están básicamente pegados entre si. En eta segunda parte también se encuntran piezas musicalmente muy variadas. Tenemos momentos de rock clásico (Hey You, Comfortably Numb), pasajes instrumentales con arreglos diferentes como en Is There Anybody Out There? que tiene una pieza de guitarra acústica clásica. Por último está una de las elecciones más arriesgadas del disco que incluye algunas piezas muy teatrales con orquestas como Bring the Boys Back Home y The Trial que hace que por momentos el album se aleje casi completamente del género del rock.

Entre las canciones que más resaltan se encuentra Hey You, con la que abre la segunda parte del disco. La canción es una de las "completas" por lo que es más extensa y tiene una estructura más identificable con el rock. La canción trata del momento en el que el protagonista está completamente aisaldo detrás de la pared y empieza a tener dudas sobre su decisión representadas en los gusanos que se comen su cerebro. "But it was only fantasy, the wal was to high as you can see, no matter how he tried he cannot break free, and the worms ate into his brain." 

Otra canción en este estilo es Comfortably Numb, uan de las más conocidas no solo del album sino de toda la carrera de Pink Floyd. Acá el protagonista está completamente ido y es buscado por su manager y un doctor para que vaya a dar un concierto. Para esto le inyectan un tipo de droga que lo levanta y lo sumerge en un estado de alucinación. La estrofas de la canción, cantadas por Waters, representan lo que dice el doctor que le va preguntando que es lo que siente para luego adminstrarle la droga mandándolo al escenario. Los coros, cantados por Gilmour, representan la mente del personaje. Esta parte de la letra ,a diferencia de las estrofas que son muy directas, buscan ser más simbólicas y están entre las letras más bonitas que he escuchado. En estas reflexiona no solo acerca de su situación actual sino recuerda su infancia y la perdida de la inocencia a través de metáforas. Es inevitable recordar con nostalgia la propia niñez de uno al escuchar la canción. 

Dentro de las piezas más pequeñas resalta Is There Anybody Out There? la cual tiene una muy bella pieza de guitarra clásica. Músicalmente es un momento cumbre del disco y muestra la complejidad de la visión de Roger Waters a la hora de concebir todos los aspectos del album. El nombre de la canción y unica línea de letra, refiere a la sensación de incomodidad que el protagonista empieza a sentir desde su aislamiento detrás de la pared.

Se podría decir que el climax del todo el album es The Trial. En esta canción la propia conciencia del protagonista le hace un juicio por lo errores que ha cometido en su vida y su egoísmo. Como mencionaba más arriba, acá reaparecen varios personajes de la primera parte como su profesor de colegio de cuando era niño, su madre y su esposa para recriminarle todas sus fallas pasadas. Al final el juez decide ordenar el derrumbamiento de la pared. Acá Waters, al cantar por todos los personajes llega a histrionismos que hasta el momento se había escuchado poco en albumes de rock a excepción de otras bandas de rock progresivo como Genesis.

Lo importante de esta canción es que redondea el tema del disco. Al mostrarte lo imperfecto que ha sido el protagonista todo el tiempo, te hace replantear la simpatía o la pena que sentías por él. Él mismo se da cuenta que uno no puede vivir encerrado y alejado del resto. Que uno existe en función al resto y las acciones de uno hoy van a afectar en el futuro. 

Fuera de lo oscuro y cargado que es el disco me parece que al final deja un buen mensaje y deja algo para la reflexión. Uno es lo que hace y esto que uno hace afecta al resto de forma directa e indirecta. Por otro lado tambièn hace pensar que siempre lo más fácil antes los problemas es hacerse la víctima cuando muchas veces losm problemas nos lo buscamos solitos y muchas veces son a causa de algo llamado karma. Que increible es encontrar fuentes de reflexión como esta acompañada de tan buena música, no? Sin duda una obra maestra, gracias Pink Floyd y gracias Roger Waters.

The Dark Knight: drama policial disfrazado de cinta de superheroes

Por varios años los fanáticos de Batman no sabíamos si ibamos a volver a ver una cinta con el personaje después de la debacle que fue Batman & Robin (1997) de Joel Schumacher que tiró abajo la franquicia dirigida por la Warner Bros. En el año 2005 la Warner confió en el realizador Christopher Nolan en revivir al personaje y se podría decir que el resultado fue mejor de lo esperado. La primera cinta, Batman Begins, marcó el tono que iba a tener la trilogía planeada por Nolan. El universo de Batman se llevaba a cabo en un ambiente realista, no había espacio para caricaturas ni situaciones inverosímiles, todo tenía que estar atado a la realidad en el sentido que todo tenía que ser posible en la vida real.

La segunda película de la saga de Nolan fue The Dark Knight, la cual fue una cinta superior a la primera al tener una historia más compleja, personajes más ricos y la genial interpretación del Joker a cargo del fallecido Heath Ledger. También la protagonizan Christian Bale como Batman, Gary Oldman como el Comisionado Gordon, Aaron Eckhart como Harvey Dent y Michael Caine como el leal mayordomo Alfred.

La historia tiene un aire épico moderno al querer interconectar una historia criminal/policial visto desde varios ángulos. Tenemos a la policia, a la fiscalía de Gotham City y al justiciero enmascarado por el lado de la ley, la justicia y el bien. Por el otro lado tenemos al mundo criminal que quiere tomar control de la ciudad sin exito y un nuevo criminal que ha aparecido autodenominado el Joker quien aparecerá para querer mostrar la peor cara de Gotham City pasando por encima tanto por la justicia como por los criminales.

Lo extraordinario de la cinta es que parece un drama policial que resulta tiene al heroe vestido de murcielago y al villano con la cara pintada. Desde la primera secuencia de la cinta se ve como las acciones se desarrollan sin querer pretender ser una cinta de superheroes ni mucho menos una cinta dirigida a niños. Para mi ese fue un respiro y muchos fans de Batman le agradecemos a Nolan por crear una cinta seria que reta a sus expectadores.

La cinta toca temas como la justicia, la lucha entre el bien y el mal, la paranoia, entre otros. Si hay un personaje que representa la justicia y el bien es Harvey Dent, el físcal de la ciudad, que por un gran pedazo de la cinta, es la persona que se encargará de limpiar la ciudad y que esta vuelva a mostrar su mejor cara. Irónicamente este personaje es el que luego se convertirá en Two-Face, gracias a la retorcidas y violentas acciones que realizará el Joker el cual se ha propuesto mostrarle a Batman y al nuevo Comisionado Gordon que todas las personas son corruptibles y que se requiere de un par de malas experiencias para volver a una buena persona mala, tal como él. Al final de la cinta el "White Knight", forma en que llamaban a Harvey Dent, después de buscar enseñarle a la ciudad que el bien era un camino viable, tira todo abajo haciendo que la maldad gane algunas batallas. Eso hace que la cinta termine en tragedia.

La lucha entre y el bien y el mal es importante en la cinta. El Joker a lo largo de la cinta generará miedo a los ciudadanos de Gotham City a través de atentados, básicamente terroristas, que los obliga a tomar decisiones egoístas que hacen que uno se puede salvar pero perjudicando a los demás. Al final de la cinta la ciudad demuestra ser mejor que el Joker y la gran mayoría de sus ciudadanos no sucumbirá al medio.  

Qué cosa no se ha dicho de Heath Ledger y su genial intepretación del Joker? Ledger creó un personaje único y creo que inigualable. Este Joker es alguien que encarna la maldad absoluta, el caos, la anarquía. Es un personaje misterioso, no se sabe de donde viene, no hay una historia previa ni una explicacíon clara de sus motivaciones. Como dice Alfred, "some people just want to see the world burn". Al Joker no le importa el dinero ni el poder, solo quiere destruir. Para esto se dedica a perseguir a cada personaje que representa lo contrario a él.

Fue una decisión arriesgada de Nolan cambiar al personaje y borrar de su historia el factor de su piel y su pelo. Como se sabe el Joker clásico tiene la piel blanca y el pelo verde como causa de la exposición a químicos (por lo menos esa es una de las versiones oficiales). Este Joker se pinta la cara de blanco y el pelo de verde. Este Joker no se volvió así como una víctima de las circunstancias, este Joker decidió ser así lo cual lo hace más peligroso. El detalle de las cicatrices a los lados de la boca lo hace más atemorizante y le da una dimensión más rica al personaje.

The Dark Knight no es una película de aventuras, ni ciencia ficción ni 100% de acción. Principalmente es un drama y segundo un policial. Trata acerca de los dos lados de la sociedad y de la condición humana. De como todos tenenos un lado bueno y un lado oscuro y de como depende de cada uno cual queremos darle a la sociedad. "You either die a hero or you live long enough to see yourself become the villian", bonita frase.

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The Wall: el aislamiento de una estrella de rock según Roger Waters (parte 1)

Aproximadamente hace dos meses escribí un post acerca del album Wish You Were Here de Pink Floyd. Obviamente no es el único disco de ellos del cual vale la pena escribir pero pensaba en mejor esperar un buen tiempo hasta escribir acerca de otro album de una banda ya antes tocada. Por alguna razón no he querido esperar tanto y hoy voy a escribir acerca del disco The Wall (1979) de Pink Floyd y por primera vez voy a partir el post en dos partes, publicando hoy la parte uno y el próximo sábado la parte dos.

Esta de más hablar acerca de qué es Pink Floyd pero si me parece importante explicar cual era el estado de la banda y las razones detrás de la temática del disco. Pink Floyd seguía conformado por Roger Waters en el bajo y la voz, David Gilmour en la guitarra y voz, Rick Wright en los teclados y Nick Mason en la batería. Por muchos años fue una banda suficientemente democrática como para que los cuatro integrantes se sintieran como parte importante de esta. Waters casi siempre se encargó de las letras y los conceptos y de eso salieron los mejores trabajos de la banda. El punto de quiebre creo que vino en el disco Animals del año 1977 cuando se vió que básicamente todo el disco fue compuesto y cantado por Waters con casi nula participación del resto. Para ese momento Waters se había vuelto el amo y señor de la banda sin importarle si el resto estaba de acuerdo o no. Waters llegó con un concepto que había desarrollado desde un oscuro incidente en un concierto de la gira del disco Animals en el que Waters le escupió a un fan en primera fila que no paraba de hacer ruido. Para ese momento Waters estaba en un estado de aislamiento hacía sus fans y pensó en la idea de tener una pared que lo separara de la gente mientras tocara las canciones. De esa idea, junto con otras experiencias de su niñez, Waters creó el concepto del disco The Wall.

Para los que no lo han escuchado, el disco trata acerca de un "rock star" y de como sus traumas lo hacen crear esta "pared" que los aisla del mundo para luego ser torturado por su propia consciencia la cual lo hace derribarla. Los traumas que menciono tienen que ver con la muerte de su padre en la guerra (Another Brick on the Wall Part 1), la estricta educación escolar en la Inglaterra de la época (The Happiest Days of our Lives, Another Brick in the Wall Part 2), su madre sobreprotectora (Mother) y la deteriorada relación con  su esposa (Don't Leave Me Now). 

El estilo del disco es distinto al de los discos anteriores pero sin dejar de ser el sonido de Pink Floyd. Al ser un disco doble con más de 20 canciones es lógico que no todas van a ser canciones largas como las bandas de rock progresivo están acostumbrados a sacar. Acá hay canciones un poco largas que tratan un pieza importante de la historia, como las mencionadas en el párrafo anterior, y por otro lado hay canciones que sirven de transición (Is There Anybody Out There?) o como comentarios del momento de la historia (Empty Spaces) y otros que hasta ahora, debo confesar, no he entendido su función dentro de la historia como Vera. Esto fue una razón de choque entre Waters y Gilmour porque Waters se preocupaba más por el fondo osea por la historia mientras que Gilmour pensaba que el propósito principal de la banda que era componer buena música estaba siendo dejada atrás.

Personalmente, fuera de lo popular que demostró ser este disco a través de las décadas, a mi me parece un disco dificil y muy cargado, por eso es que es uno de mis preferidos. Este disco es tiene letras por momentos oscuras y violentas. En otros momentos deprimentes rozando con lo patético. Las letras de Waters son una de la más personales que escribió en su vida y demuestra que era un alma perturbada que tenía problemas con muchos aspectos de su vida y de su pasado. El primer disco te va explicando los elementos que van formando "la pared" terminando este con la finalizacíon de la pared y el comienzo del aislamiento. 

Sería muy extenso hablar de cada canción por lo que solo tocaré las que más impacto me generan. Básicamente estas canciones son las que representan cada ladrillo en la pared. Another Brick on the Wall part 1, como mencionaba antes, cuenta la perdida del padre del protagonista a causa de la guerra y como le creó un vacío en su vida. "Daddy's flown across the ocean leaving just a memory." y gritando más adelante "Daddy, what'd you leave behind for me!" como un especie de reclamo por su temprana muerte. Todo esto acompañado por una guitarra constante haciendo un riff muy simple pero con mucha fuerza. 

Luego vienen The Happiest Days of our Lives y Another Brick on the Wall Part 2, la más conocida del disco, en el que el protagonista recuerda la dureza y la crueldad de algunos profesores hacia sus alumnos. Luego se genera la contraparte con el canto de protesta tan conocido por todos: "We don't need no education, we don't need no thought control" cantado primero por Waters y luego aocmpañado por un grupo de niños. Todo siempre acompañado por el leit motif "All in all it's just another brick in the wall", explicando que todo estos temas ayudaron a crear la pared como herramienta de aislamiento. Tengo que mencionar algo de la guitarra en esta canción? Sencillamente es uno de los arreglos y solos más escuchados de la historia del rock.

Mother me parece una canción muy dura que muestra la peor dependencia que puede haber entre madre e hijo. La canción es cantada por Waters y Gilmour, Waters tomando el puesto del hijo y Gilmour el de la madre. La primera estrofa muestra la inseguridad del hijo con respecto a la vida y la sociedad, "Mother should I trust the government.... mother should I build the Wall" y el coro sirviendo de respuesta de la madre asegurandole que siempre lo cuidará aunque lo exprese de formas poco positivas. "Mother's gonna make all your nightmares come true, mother's gonna put all of her fears into you". En la segunda estrofa el hijo muestra sus inseguridades hacia las mujeres. "Mother will she break your little boy apart? Mother will she break my heart?. Músicalmente la canción es impecable con guitarras acústicas en las estrofas y coros y un solo de guitarra marca registrada de David Gilmour. Esto no quita que el concepto y las letras sea lo más relevante.

Por último una canción importante es Don't Leave Me Now. Esta es una súplica que le hace el protagonista a su esposa para que no lo deje. Lo interesante es que dentro de esta súplica sale a la luz algunos abusos cometidos hacia ella lo cual muestra que este rock star no es un personaje perfecto y que lo que está sufriendo podría ser consecuencia del "karma". "How could you go? when you know how I need you to beat to a pulp on a saturday night, oh baby". El tono de esta canción es completamente patético y deprimente. Waters no se limita a cantar la canción sino casi la actúa. Músicalmente es un ejemplo de como Waters quería que en varias canciones la música solo fuera un acompañante de la voz. Casi no hay guitarra ni batería, solo un teclado para crear atmósfera.

Este es el fin de la primera parte. La próxima semana entraré a la segunda parte del album con más reflexiones acerca de sus canciones.

Si te gustó este post te invito a leer el que escribí acerca de Wish You Were Here también de Pink Floyd y el post del disco A Trick of the Tail de Genesis, ambos del género del rock progresivo.

Para leer la segunda parte de este post haz click aquí.