Beetlejuice y la muerte según Tim Burton

Beetlejuice es una de las películas que más he visto en mi vida. La vi cuando tenía aproximádamente 10 años y fue una cinta decisiva en definir mi futura afición por el cine. Hasta ese momento no había visto algo tan imaginativo, gracioso y, de cierta forma, grotesco a la vez.

La cinta es dirigida por Tim Burton y mi preferida de su obra. No puedo decir que es la mejor porque con películas como Batman, Batman Returns, Ed Wood y Big Fish es difícil de decir pero personalmente esta cinta me tocó de una forma distinta al resto. Burton en estos momentos es considerado por muchos un genio con un estilo propio, además de un creador de personajes y mundos que solo puede salir de su imaginación. Para el año 1988 solo había dirigido un largometraje llamado Pee Wee's Big Adventure la cual tuvo buena acogida y lo llevo a tener la libertad de crear un film más al estilo gótico moderno que le gustaba.

Beetlejuice trata acerca de una pareja de casados sin hijos, intepretados por Alec Baldwin y Geena Davis, que viven una vida ideal para ellos, felices en un pequeño pueblo en EEUU. Un día mueren en un accidente y descubren las cosas que pueden ocurrir después de la muerte. Ahí es donde la cinta saca su visión única de lo que ocurre cuando mueres. También la pareja se da con la sorpresa que sus almas están atrapadas dentro de su casa y una familia muy excentrica se ha mudado con ellos. Para poder botar a la familia de la casa piden la ayuda del fantasma Beetlejuice, intepretado por el genial Michael Keaton, el cual dará más problemas que soluciones.

Alec Baldwin, Genna Davis, Winona Ryder, quien interpreta a la hija de la pareja que se muda a la casa, y el resto del elenco, hacen un muy buen trabajo pero el que se lleva todas las palmas es Michael Keaton quien creó un personaje, para mi, único en la historia del cine. Beetlejuice es un personaje caótico, pervertido, y que de cierta forma representa todo este mundo surreal y fantastico en el que los muertos se pueden mezclar con los vivos. En el siguiente video se puede ver la actitud desctructiva y anarquica de Beetlejuice en el que ataca por última vez a los invasores de la casa. Se puede apreciar todas las herramientas visuales que Burton usa para crear una situación surreal y hacerla propia.

Un tema importante es el de la muerte. En la cinta alguien muere y no hay un Dios detrás de una luz que te va a recibir. No existe tampoco un concepto claro del cielo y el infierno. Acá la muerte es un proceso de aprendizaje de una nueva forma de "vivir", por ponerlo de una manera. Hay reglas muy estrictas que el muerto tiene que seguir, hatsa existe una "guía para los recién fallecidos" que todo muerto tiene leer para poder continuar paso a paso a través de un procedimiento basicamente burocrático hacia algo que nunca está claro en la cinta. Como mencionaba, en ningún momento se dice si esta pareja ha sido buena o mala y les espera una buena o mala eternidad, sencillamente están en cola como todos los demás.

Otra cosa que siempre me llamó la atención es el tono de la cinta. Oficialmente la película es PG, código que se da en EEUU para cintas aptas para todo público. Fuera de la calidad de la calidad de la cinta y que esté entre mis preferidas, siempre me pareció que era una película que pasaba de situaciones graciosas a lo para toda la familia a otras un poco más sugestivas que oficialmente no son para público infantil. Por ejemplo, Beetlejuice es un espiritu que se muestra siempre ansioso por no decir "arrecho" y se puede ver en esta escena en el que Beetlejuice tiene la posibilidad de defogar energia cuando aparece un burdel adelante suyo. Para mi esta cinta tiene mucho humor adulto que un niño seguro no entiende pero creo que eso también es parte de lo que hace unica a la cinta, como mezcla tonos y puede ser atractivo para todas las edades.

Hay ciertas decisiones que un director, solo o con su equipo, toman ya sea en la pre producción, producción o post producción que definen si su cinta va a diferenciarse del resto o va a ser una más dentro de su genero. Entre las tantas buenas decisiones que Burton y equipo tomaron están el tema de la música. Aparte del trabajo del gran compositor y colaborador de Burton, Danny Elfman, también se encuentran una serie de composiciones del género calypso. Esta música le da una mayor extrañeza a la película de la que ya tiene por otros elementos y hace que varias escenas sean únicas y más alucinantes. La escena a continuacíon ya es un clásico y personalmente me parece una joya del cine.

Como les contaba, Beetlejuice es una de las películas que más he visto en mi vida y podría decir que es una cinta que definió mi infancia. No paraba de pensar en esta cinta y la veia una y otra vez buscando nuevos detalles que se pudieran haber pasado antes. Su mezcla entre horror grotesco, comedia, la actuación de Micahel Keaton y todo el imaginario alrededor de la muerte que contiene la cinta, la unión de estos elementos fueron la mezcla perfecta para mi cuando era niño. Saldrá alguna vez una cinta tan única como esta en tantos aspectos? Habrá otro personaje como Beetlejuice alguna vez? o me van a decir que esta imagen no es entrañable.

Before These Crowded Streets: rock fusión con emoción

Recuerdo en el año 1997 que un amigo me enseñó un par de canciones del disco Before These Crowded Streets de Dave Matthews Band y eso bastó para que me quedara enganchado de por vida con esa banda y más con ese disco. En esa época practicamente toda la música que escuchaba era rock pesado. Bandas como Metallica, Korn, Marilyn Manson y Pantera era lo que más me llamaba en esa época junto con Smashing Pumpkins que era rock alternativo. Escuchar Before These Crowded Streets me hizo abrir un poco más el panorama y me hizo dar cuenta que mis gustos también se podían inclinar por melodías suaves y ritmos más jazzeados y fusionados.

Dave Matthews Band estaba conformado en ese momento por Dave Matthews en la voz y guitarra acústica, Carter Beauford en la batería, Stefan Lessard en el bajo, Boyd Tinsley en el violín y Leroi Moore en los vientos que lamentablemte fallecido en el 2008 por causa de un accidente. En este disco la banda estaba en el pico de su creatividad y experimentación. A diferencia de sus discos anteriores que fueron más orientados al rock y al blues, en Before These Crowded Streets es más tirado al rock fusión y world music, se puede encontrar influencias árabes, un poco de jazz, acercamientos a música clásica, etc. El impulso creativo se muestra hasta el punto en que en la mayoría de espacio entre canción y canción, se inserta una pequeña pieza musical, como una mini canción para "rellenar el espacio", eso demuestra la cantidad de ideas que flotaban en el ambiente a la hora de componer.

Acá no hay canción mala ni que sobre. Cada una es una obra maestra y muestra una cara distinta de la banda y te transmite una sensación distinta. A través de la música y la voz de Dave Matthews, el disco nos transporta por muchas sensaciones distintas como la alegría y sensación de fiesta como en Rapunzel y en Stay (Wasting Time) las cuales tienen ritmos que te invitan a seguir el ritmo con el cuerpo. "We were dancing mouths open, we where splashing tongue taste and for a moment this good time will never end" canta Dave Matthews recordando con nostalgia pero también con alegria un buen momento.

Por otro lado el disco también te transporta a lugares más oscuros, tristes y melancólicos, donde la desesperanza reina. Estos son los momentos que considero más dificiles del disco porque musicalmente la banda incorpora elementos que al gente en general no busca en el rock como un cuarteto de cuerdas con violencellos que ayudan a crear atmósferas por momentos tétricas como Halloween, la cual considero una mezcla entre Dave Matthews Band y Korn, y The Stone que temáticamente comunican desesperación y angustia. En The Stone canta como si fuera un hombre que ha hecho algo malo y tiene que escapar de un lugar y le pregunta a una persona importante para él si lo acompañaría en el viaje. "I was just wondering of you'd come along. Tell me you will" canta un poco resignado al final de la canción.

A Dave Matthews, líder y compositor principal de la banda, se le ha criticado a veces por las letras de las canciones. Se le ha acusado de ser cursi hasta el punto de rozar con lo vergonzoso y esto ocurre porque Dave Matthews es un músico que no tiene miedo de mostrar lo que siente en letras que no buscan la metáfora difícil ni la poesia sino que describen de forma muy clara lo que una persona puede sentir cuando está feliz, triste y hasta enamorada como en la canción Crush, para algunos la mejor del disco. "Lovely lady, let me drink you please, I won't spill a drop I promised you. Lying under this spell you cast on me each moment the more I love you."Bueno, sí es un poco cursi pero en eso se diferencia de muchas bandas.

Algo que me gusta mucho en este disco es como existe en algunas canciones una contradicción entre música y letras en el sentido que puedes estar scuchando una letra bonita y positiva pero a la vez una melodía que se puede considerar triste como en el caso de la canción Spoon con la que cierra el disco. En esta canción el mensaje es muy simple, ríe un poco y deja atrás los problemas por un momento lo cual junto a la música, la cual me ha puesto la piel de gallina más de una vez, crea una especie de "triste alegria".

Before These Crowded Streets es un disco que considero único en su combinación de fondo y forma. Me parece que alguien que aprecie la música tiene que que escuchar con detenimiento est obra maestra. De escucha obligatoria.

Jackass: 10 años de tonterías y risas

Se que este post va a sorprender a algunas personas que han leido antes las cosas que escribo. Hasta el momento he escrito de películas de autor como Taxi Driver de Scorsese o Magnolia de P.T Anderson. En esta ocasión voy a romper un poco esa costumbre y voy a hablar acerca de un grupo de comedia que seguramente conocen llamado Jackass. De todas formas el cine no es solo ficción, también el cine puede estar dentro de la no ficción como los documentales y  creo que tranquilamente Jackass podría entrar de alguna forma en esa categoría.

Por qué voy a escribir de Jackass se preguntarán. La verdad es que desde que inicié el blog siempre pensé en escribir algo de Jackass aun así hasta el momento me haya concentrado más en obras consideradas más "cultas". Desde que Jackass empezó como serie de TV en MTV me volví fan automáticamente. El sentido del humor de la serie era parecido al mio, siempre fui fán de Los Tres Chiflados y de como se pegaban unos a otros, de las bromas que se hacen en las calles como las hicieron en Videomatch alguna vez y por último del programa America's Funniest Home Videos donde veias a personas teniendo "accidentes" de forma repentina. Jackass tomó varios de esos elementos y los llevó a niveles más crudos y exagerados.

Jackass nació con la unión de fuerzas de varios "desadaptados" que desde varios sitios distintos de EEUU hacían sus propios videos haciendo acrobacias o como lo llaman en inglés "stunts". De ese grupo resaltaron nueve, quienes liderados por el director Jeff Tremaine y el productor, anteriormente nominado al Oscar, Spike Jonze se mantuvieron juntos hasta después de la cancelación de la serie y la realización de tres películas en el transcurso de diez años. Estos son Johnny Knoxville (también co-creador), Bam Margera, Ryan Dunn, Steve-O, Chris Pontious, Danger Ehren, Dave England, Wee Man  y Preston Lacy. 

Este es un grupo que nació de forma un poco improvisada pero que con el tiempo se volvió una compañia de comedia en donde sus protagonistas muestran versiones de si mismos o alter egos especiales para la pantalla, mostrando personalidades muy definidas pero que nunca dejan de verse naturales.

Entiendo que Jackass no sea del agrado de la mayoria de personas y que sea considerado una tontería. La verdad es que sí es comedia en su expresión más primaria. También puedo entender que algunas de las cosas que hacen sean muy asquerosas o violentas para la mayoría. Mierda, vomito, golpes, perversión, son algunas  de las cosas que se pueden encontrar en sus tres cintas. "... it had shit, puke, danger... that's all this show it's about" dice Chris Pontious casi al final de la tercera cinta Jackass 3D y no le falta razón.

Personalmente a mi me parece una tontería y una asquerosidad pero bien hecha y bien pensada. Por un lado decidieron en ir más allá haciendo y mostrando cosas que, en TV y luego en cine, nadie se había atrevido a hacer. Por ejemplo, muchas de las bromas que hacían en la calle iban más allá de lo socialmente aceptado generando real incomodidad en las personas inocentes afectadas, como en el clásico "poo diaper" de la serie de TV.

Algo interesante es como se atrevieron a romper algunos tabúes acerca de lo que a los hombres les gustaría ver, lo cual empezó con Party Boy, personaje creado por Chris Pontious en el que sorprendía a varios hombres en la calle bailándoles de forma sugestiva y graciosa a la vez. Este tema con el paso del tiempo, y más en las películas, fue degenerando hasta el punto que a la mayoría de miembros del grupo ya no les molestaba salir haciendo desnudos casi completos o haciendo "stunts" que ellos llaman sencillamente su "gay stuff" como el "dick rocket" o "toy car" en el que Ryan Dunn se mete un carrito de juguete en el recto para jugarle una broma a un doctor o por último el "ass kite" en el que Bam Margera.... ya vean ustedes nomás.

Fácil lo más primario del humor en Jackass se basa en ver como se sacan la mierda con las tonterías que hacen. Como decía más arriba desde el cine mudo, pasando por Los Tres Chiflados hasta el Chavo del Ocho siempre ha dado risa el golpe o el "tortazo" siempre dentro de un contexto cómico. Los Jackass tuvieron claro eso desde el inicio y supieron explotarlo con buenos resultados. La forma en que se acercan a este tipo de material va desde lo más simple:

... hasta material inspirado en dibujos animados de la Warner Brothers como Bugs Bunny o el Correcaminos:

Al final, lo que mejor funciona en Jackass son las relaciones entre sus integrantes. Ellos mismos son los que lo hacen entretenido y no necesariamente las cosas que hacen. Pon a otras personas haciendo lo mismo y el resultado no sería lo mismo porque lo entretenido de cada "stunt" en Jackass es el antes, durante y después, todo es igual de importante. Muchas veces lo más gracioso es cuando algo falla o son esos momentos graciosos que ocurren de un momento a otro como cuando estás con tus amigos.

Malo o bueno a mi esta gente me alegra y de cierta forma me hace recordar a mis amigos y a las varias tonterías que hemos hecho juntos, algunas hasta ahora. Todos necesitamos un momento para poner el cerebro en off y reirnos de las cosas simples de la vida como una buena patada en la ingle.

Este post es dedicado a Ryan Dunn, miembro de Jackass que falleció este lunes a los 34 años en un accidente automovilístico. Esta fue la razón principal por la que escribí el post.

Antichrist Superstar: la mejor música salida del "infierno"

El disco Antichrist Superstar de Marilyn Manson es uno de los mejores discos de los 90s, punto. Yo se que no es una opinión muy popular y diría que es hasta incomprendida, pero creo que si se va un poco más allá del prejuicio que existe contra Marilyn Manson la persona, uno va a poder encontrar a un músico y una banda que en 1996 tuvieron una propuesta y una visión única para su época. Marilyn Manson en ese época estaba conformado por Marilyn Manson a.k.a. Brian Warner (voz, letras y conceptos), Twiggy Ramirez (bajo), Madonna Wayne Gacy (teclados, sinetizadores, loops y bits), Ginger Fish (batería) y Zim Zum (guitarra). Una figura muy importante en la creación del disco Antichrist Superstar es el músico y productor Trent Reznor de la banda Nine Inch Nails quien no solo le supo dar al sonido del disco la fuerza típica del metal industrial con toda la complejidad de la combinación de las guitarras y los sonidos sacados de los sintetizadores, sino además una sensibilidad pop que le permitió a Manson crear canciones que, aunque suene mentira, puedan tener ritmos y melodias atractivas para un público más amplio.

Este disco me parece que es muy importante porque sale en una época en que se había perdido la idea de los conceptos en los albumes. Con el grunge y el rock alternativo en general la idea fue volver a las raices y que las bandas se mostraran sin artificialidades. Marilyn Manson quizo romper eso y volver a una tradición perdida de discos conceptuales con historias, personajes y teatralidad. Esto se dio gracias a la visión que tuvo Marilyn Manson (la persona) en crear este alter ego, en querer ser ambicioso en su propuesta y de paso retar a la sociedad conservadora. Manson es uno de las pocos músicos que continuó con la tradición de Alice Cooper, David Bowie y Peter Gabriel de no solo salir al escenario a tocar música sino de darle también una experiencia más visual y completa al fanático.

Se podría decir que el concepto del disco es inspirado en alguna medida por Ziggy Stardust de David Bowie. Ziggy Stardust cuenta la historia del ascenso y caida de un mesias extraterrestre convertido en rockstar. En Antichrist Supertar se cuenta la historia de un hombre "The Worm" atrapado por una sociedad que reprime a sus habitantes que decide rebelarse y ser un guia, para luego convertirse en un nuevo mesías, el anticristo superestrella. A diferencia de Bowie, el "Antichrist Superstar" no iba a descender, el anticristo llegó para quedarse y dominar el mundo.

Como mencionaba más arriba, un aspecto importante del disco, que fue uno de los aspectos que me cautivaron cuando lo escuché por primera vez, fue la variedad que había de canción en canción. No estoy hablando necesariamente de variedad de estilo ya que todo entra, creo yo, dentro del lo que se llama metal industrial o metal altenativo, sino en aspectos que van más por la producción y lo que suelen llamar en inglés, los "melody hooks". En el disco se puede encontrar canciones muy duras y directas como la canción "Irresponsible Hate Anthem", con la que abre el disco y da inicio a la historia. 

También hay canciones más suaves con pequeños arreglos de piano y flauta que demuestran como la banda no tenía miedo de experimentar y de esa forma sacar una obra con una visión más amplia que la del resto de bandas en el género. A su vez es interesante como Manson decide en muchas ocasiones "maquillar" su voz con efectos que lleva a las canciones a no ser simples canciones sino a ser instrumentos que ayuden a crear atmósferas muchas veces tétricas. Una par de ejemplos son las canciones "Kinderfeld" y "Cryptorchid".

Como mencionaba más arriba, Trent Reznor fue fundamental en abrir el abánico de posibilidades para la banda y y demostrar que se puede ser heavy y a la vez darle un poco de ritmo a una canción. Claros ejemplos son los temas "Mister Superstar" y "Wormboy". En esta última Manson canta "Then I got my wings and I never even knew it, when I was a worm thought I wouldn't get throught it", en este momento ya empezó la tranformación del personaje (the Worm) y su evolución para convertirse en el Anticristo Superestrella.

El clímax del disco llega con la canción "Antichrist Superstar". El proceso de transformación terminó, "the Worm" consiguió sus alas, voló y se tranformó en una estrella mesiánica que traerá el infierno a la Tierra. "You built me up with your wishing hell" dice Manson al inicio de la canción, luego de escuchar a la multitud aclamándolo en los tiempos que dicta la música. 

Antichrist Superstar está entre los discos que más he escuchado en mi vida. Este disco para mi significó la combinación perfecta de fuerza, agresividad y rebeldía que cualquier adolescente podía necesitar. Además fue una de los pocas bandas que no quizo ser una más del montón y decidió ir más allá en terminos de concepto. Antichrist Superstar no es un solo un disco, no es solo música, es una declaración. Es el pico de un artista que se vio como algo más, como algo fuera de la sociedad, de este mundo. ¿Cuándo llegará el próximo anticristo superestrella? Espero que pronto porque el panorama musical se ve muy aburrido.

Taxi Driver: cuando la soledad y la ira rozan con la locura

Me acuerdo haber visto Taxi Driver (1976) a los 13 años aproximadamente, en el año 1995. En esa época estaba empezando a ver cine que no era considerado para toda la familia como las cintas de Tarantino, Coppola, Lynch, Stone, etc. Eran films violentos y que tocaban temáticas  a veces un poco sordidas, de personajes marginales y a mi sencillamente me encantaba (mi mamá lo odiaba). De todos, el que consideraba preferido de los viejos maestros era Martin Scorsese.

Scorsese es un gran director, fácil uno de los mejores de la historia, eso nadie lo duda. Fuera de eso creo que Scorsese fue bendecido al haber conocido en su juventud a un aspirante a actor llamado Robert De Niro. El destino los unió y juntos crearon varias de las películas más memorables de los últimos 40 años (algunas más serán tocadas en próximos posts). Una de esas cintas es la genial Taxi Driver. La cinta trata acerca de Travis Bickle, un veterano de Vietnam que trabaja como taxista en las noches. Bickle trata de lidiar con la extrema soledad en la que vive y su desencanto con el mundo que lo rodea, lo cual poco a poco  lo va haciendo descender en un espiral de violencia y locura. Para eso se obsesiona con dos mujeres. Una trabaja en la campaña de un candidato a la presidencia con la que trata de empezar una relación sentimental. Por otro lado está una prostituta de 12 años intepretada por Jodie Foster la cual quiere salvar de las garras de un "pimp" interpretado por Harvey Keitel, esto último con violentas consecuencias. 

Para ser justos, en el caso de esta película, hay una pieza más de la ecuación que no es mencionada tantas veces como los mencionan a Scorsese y De Niro y es el guionista de la cinta, Paul Schrader. Schrader afirma que escribió el guión en una etapa depresiva y suicida de su vida. Ha llegado a contar que la escribió con un revolver cargado junto a la máquina de escribir haciéndose jurar a si mismo que si dejaba de escribir se pegaba un tiro en la cabeza. Dice que la desesperación, la soledad y la ira hacia la sociedad que el personaje Travis Bickle siente en la cinta la sentía en la vida real.

Cuando me tocó ver Taxi Driver nunca pensé que una película se me iba a quedar tanto tiempo en la cabeza, reviviendo momentos, recordando líneas de diálogo, recordando esa imagen icónica de De Niro con el corte mohawk tipo indio.

Una de las cosas que más me sorprendieron fue como usaron tan bien el recurso del voice over para expresar todo lo que sentía el personaje y como iba descendiendo en ese espiral de rabia y locura. Muchos "conocedores" del cine afirman que el voice over es un recurso facilista ya que te permite escuchar los pensamientos de un personaje y te ahorra tener que mostrarlo solo en acciones y diálogos como se supone el guión manda. El tema acá es que Travis Bickle es un personaje muy complejo y contradictorio y creo que la única forma de mostrar con claridad su desesperación era con el voice over.

Como mencionaba más arriba, dos elementos que definen al personaje son la soledad y la ira. "Loneliness has followed me my whole life. Everywhere. In bars, in cars, sidewalks, stores, everywhere. There's no escape. I'm God's lonely man." Eso dice Bickle en una escena de la cinta en la que está reflexionando acerca del lugar que tiene en el mundo. Ve su salvación en una mujer, Betsy, interpretada por Cybill Shepherd, a la cual conoce y logra convencerla para salir con él en una cita. En esa cita Travis demuestra lo desadaptado que es al llevarla a ver una cinta pornográfica. Travis pierde su oportunidad tener una vida normal, de llenar un vacío, lo cual lo hace bajar un escalón más hacia la desesperación y la ira. A su vez también hace que muestre que es humano y que se puede sentir herido por el rechazo.

Llega un punto de la cinta en que el Travis está cada vez más desatado y rabioso contra todos. La sociedad, la mujer que lo rechazó, la delincuencia. "Listen you fuckers, you screwheads. Here is a man who would not take it anymore. A man who stood up against the scum, the cunts, the dogs, the filth, the shit. Here is a man who stood up." Travis se ve a si mismo como el hombre que va a limpiar a la ciudad y la única forma que sabe como hacerlo es a través de la violencia. Él es un elegido, un exterminador.

Se propone como meta salvar a una prostituta de 12 años y hacer que deje la prostitución. Primero trata de hacerlo hablando con ella pero falla. Cuando Travis decide empezar a "limpiar" la ciudad comienza por ir tras la chica lo cual nos lleva al climax de la cinta y a la escena más violenta de esta. Scorsese llega a un punto medio entre la estilización de la violencia y la crudeza de esta.

Taxi Driver, desde mi punto de vista, es una cinta de defogue. Por momentos puedes llegar a identificarte con parte de la frustración, ira y soledad que siente Travis y de esa forma expulsar esa carga a través de las acciones extremas que el personaje realiza y que uno como espectador ve en la cinta. Todos nos hemos sentido frustrados alguna vez. Todos tenemos un Travis Bickle dentro que, por el bien de todos, sabemos manejarlo.

 

A Trick of the Tail: cuentos y fantasía al estilo Genesis

Hace tiempo que quería escribir un post acerca de Genesis pero no sabía con que disco comenzar. Genesis es una banda que ha tenido una carrera muy pareja y comparar discos es una tarea muy difícil. Hay mucho para escribir de ellos, solo la primera etapa de su historia con Peter Gabriel como vocalista va a merecer unos cuantos posts en el futuro pero para esta ocasión me voy a centrar en el disco de 1976 A Trick of the Tail.

A Trick of the Tail es el primer disco que Genesis lanzó después de la salida de Peter Gabriel, dejando la banda con Steve Hackett en la guitarra electrica y acústica, Tony Banks en los teclados (piano, sintetizadores, mellotron, etc.), Mike Rutherford en el bajo y guitarra acústica y Phil Collins en la batería y voz (sí, ese Phil Collins).

Cuando Peter Gabriel decide irse de la banda para dedicarse a su carrera solista la gente pensó que era el fin de la banda. Gabriel le había dado una cara única, tanto en su estilo de canto, como en sus intepretaciones teatrales que daba en los conciertos. En ese momento hicieron audiciones pero no encontraban a la persona idonea, hasta pensaron en volverse una banda instrumental, pero un dia le dijeron al baterista Phil Collins que trate de cantar una de las canciones que habían estado componiendo. En ese momento decidieron que Collins tenía que volverse el nuevo vocalista lo cual llevó a que cumpliera doble función en el studio. En los conciertos tuvieron a un par de bateristas que tocaban la mientras Collins cantaba y en los momentos instrumentales Collins también tocaba una segunda batería que tenían en el escenario.

A Trick of the Tail es un disco que continua con la tradición de los discos anteriores de Genesis y del genéro progresivo en general. Se podría decir que es menos complejo que discos anteriores de la banda como Foxtrot o The Lamb Lies Down On Broadway (discos a tratar en siguientes posts), en el sentido que fueron un poco más comerciales acortando un poco la duración de las canciones y dándole a algunos tracks estructuras de estrofa/verso más convencionales, pero cada uno de los miembros de la banda, músicalmente estaban en su mejor nivel. La sección rítmica (bajo y batería), por momentos, llega a tener aires de jazz fusión en canciones como Los Endos y Robbery, Assault & Battery, en ese momento Phil Collins estaba considerado entre los mejores bateristas que el rock ofrecía. Melódicamente, el tecladista Tony Banks,quien en ese momento era el compositor principal, creó temas como Entangled y Mad Man Moon que se volvieron clásicos del género por ser composiciones complejas y a la vez de fácil escucha para el púbico general.

Temáticamente el disco continua con el estilo fantástico y lírico característico del género progresivo y que Genesis no era ajeno. Rituales con sacrificios humanos, hospitales de niños en épocas de peste, reflexiones acerca de la vejez  (Ripples) y criaturas fantásticas llenan el disco de ese tipo de letras evocativas, letras que te hacen imaginar las situaciones que narra, como cuando a los niños se les narra un cuento lo cual hace que en sus cabezas se imaginen  y creen sus versiones de lo que están escuchando. Mucho ayuda que en la portada del disco, que se encuentra más arriba, aparezcan algunos de los personajes que se mencionan en las canciones.

Un ejemplo se da en la canción A Trick of the Tail, del mismo nombre del disco, que narra las desventuras de un demonio, con cuernos y cola, que decide irse de su reino y aventurarse en el mundo de los hombres solo para ser enjaulado como un fenómeno de circo. Atrapado se da cuenta que nunca debió haberse ido de casa y convence a los hombres que lo acompañen en su viaje de vuelta para demostrales que su reino existe. "There, beyond the bounds of your weak imagination, lie the noble towers of my city bright and gold. Let me take you there, show a living story...". A continuación les muestro el video de la canción.

Otra canción fundamental es Squonk, la cual no solo muestra una lírica como la que he venido describiendo sino que además, musicalmente, tiene un estilo más directo de rock el cual la banda poco a poco se fue dirigiendo con los años. Esta canción trata acerca de ua criatura llamada Squonk y del reino que quiere eliminarla. Es un animal único que llora mucho porque es único en su especie y sus llantos no deja dormir a nadie. El reino manda al mejor de sus cazadores para matar al animal pero el cazador al atraparlo descubre que sus lagrimas lo hacen desaparecer y poder escapar.

Como verán, canciones así, se dejaron de escribir hace mucho tiempo. Hubo un tiempo en que en el rock no se mostraban límites para componer música y escribir letras. Los músicos volaban con su imaginación y le daban al público una razón para escuchar ssu discos una y otra vez. Se volverá a escuchar algo así otra vez?

25th Hour: una historia moral en una ciudad desmoralizada

Spike Lee es un director que tiene unas de cal y otras de arena. Tiene películas muy valoradas (Do the Right Thing, Malcolm X), como también tiene otras que han sido consideradas desastrozas (Girl 6, Miracle at St. Anna). 25th Hour (La Hora 25) está entre sus mejores cintas, personalmente la considero la mejor. En este film Lee transmite a la perfección a través de la puesta en escena y de las actuaciones la sensación de derrota que se da en el protagonista y en New York City post ataques del 11 de Septiembre.

La cinta trata acerca del último dia de libertad de Montgomery Brogan, interpretado por Edward Norton, antes de tener que presentarse en la carcel para cumplir 7 años por tráfico de drogas. En este último dia pasa tiempo con su enamorada (Rosario Dawson), su padre (Brian Cox) y sus dos mejores amigos (Philip Seymour Hoffman y Barry Pepper) quienes tratan de afrontar la situación. Bajo este contexto se desarrollan los temas como la culpa, la confianza, la decepción, la relación del hombre con la sociedad en la que vive, etc. Es importante ver como la película no solo se centra en lo que siente el protagonista sino en la culpa que sienten sus seres queridos. El padre preguntándose en qué se equivocó, los amigos acusándose por hacerse de la vista ciega ante los actos ilegales de su amigo.

A mi parecer, Spike Lee filma esta cinta con su estilo característico pero de forma un poco más moderada. Utiliza un estilo por momento calmado y elegante, con poco movimiento de cámara, cubriendo bien sus escenas. En otro momentos sale el Spike Lee que todos conocemos con close ups exagerados, planos aberrantes, cambios en la calidad de imágen, edición picada y sus dollys en los que la cámara sigue a los actores que pareciera que el actor está flotando sobre el piso. Todo estos recursos sirven para diferenciar los diferentes estados de ánimo del protagonista y los personajes que lo acompañan durante este última dia de libertad.

Uno de los puntos más interesantes de la cinta, como mencionaba, es el contexto en el que se desenvuelve la historia. La cinta fue estrenada en el 2002, solo a un año después del ataque de las Torres Gemelas. Fue una de las pocas películas que se atrevió a mostrar las consecuencias de ese atroz ataque terrorista en la ciudad y en sus habitantes. Se menciona a Al-Qaeda y a Osama Bin Laden sin ningún tipo de censura en un momento en que el tema era demasiado sensible para algunos. Esto es algo que hace super especial a la cinta, crea el paralelo entre el protagonista y su última dia de libertad con el ambiente desmoralizado y de perdida que sufría NYC. En el siguiente clip se presenta a los dos amigos conversando acerca del futuro del protagonista, parados junto a una ventana que te muestra "Ground Zero", lugar donde estuvieron las Torres Gemelas. Acá los amigos se confrontan por la forma en la que están manejando la perdida y la frustración, de la misma forma en que los norteamericanos tuvieron que afrontar sus perdidas y frustraciones después del ataque.

Una de las mejores secuencias de la cinta es la "Fuck you scene" en la cual el protagonista está parado frente a un espejo y, en un momento que rompe el tono realista de la película, su reflejo empieza a insultar y a expulsar toda su frustración en contra de todas las minorías y estereotipos que se pueden encontrar en NYC. Nadie sale librado, negros, latinos, rusos, koreanos, judíos, la policia, sacerdotes y la iglesia católica, gays, arabes, incluidos Al Qaeda y Osama Bin Laden. El personaje desea la destrucción de la ciudad y la desaparición de sus habitantes como si estos fueran los responsables de sus desgracias. Al final su propio reflejo le dice que no fueron ellos sino fue él mismo quien se creó su propia suerte. La forma en la que Lee lo filma y lo edita hace de la escena un momento único que te puede llevar a reflexionar sobre como ves al resto y sobre tu tolerancia hacia ellos.

Otra secuencia notable es el final de la cinta. El papá está llevando al protagonista a la carcel y en el camino le pregunta si quiere cambiar de dirección y escapar. Desde ahi empieza la narración del papá de como podría ser ese escape, de como se escaparían hacia el centro de EEUU, de la experiencia de vida que significaría para su hijo. La película hasta te lleva al extremo de especificar a que pueblo llegaría y como el personaje de Norton se adoptaría a su nueva vida, de como no miraría hacia atrás por varios años hasta que se pueda reencontrar con su enamorada y empezar una familia con ella. Hasta ese momento uno puede llegar a convencerse que lo que está viendo es una mirada al futuro y que todo eso es realidad, hasta que regresas al carro otra vez, todavía en NYC y ves que su dirección no ha cambiado y que Monty irá de todas maneras a la cárcel.

Esta es una cinta que te hace reflexionar acerca de como te relacionas con tus seres queridos, de como reaccionar ante los momentos difíciles, de saber bien en quien confiar y en quien no, de quienes son tus verdaderos amigos, de intentar llevar una buena vida. Uno es lo que hace y uno se forma su propio destino. Esta es una cinta como pocas.

The Social Network: ser un genio y un "asshole" a la vez

The Social Network (2010) trata de muchas cosas y no es solamente la "película de Facebook" como muchos quisieron etiquetarla de manera prejuiciosa. Este film toca temas como la amistad, la traición, la envidia, el impulso creativo, etc. Es una cinta que, a mi parecer, es la perfecta combinación entre dirección, guión y actuación. Examinaré a los principales gestores de esta obra maestra y luego daré paso a los temas que me parecen más resaltantes.

Qué se puede decir de David Fincher que no se haya dicho antes? El hombre se ha vuelto un maestro del cine. Tiene un manejo excepcional del lenguaje cinematográfico que, junto con su elección a veces perturbadora de temáticas, nos ha traido algunas de las películas más inolvidables de los últimos 20 años. Para mi esta es su mejor película, lo cual no es una opinión muy popular entre los amantes de sus películas más queridas, Seven (1995) y Fight Club (1999). Para mi Fincher llega al pico de su manejo del lenguaje cinematográfico al darnos una película que se desarrolla en habitaciones cerradas, frente a computadoras y con diálogos largos entre personas sentadas en mesas cara a cara y hacer que la cinta se sienta como un thriller. Fincher junto con su equipo, lograron que la edición, la cinematografía, los movimientos de cámara, la música electrónica de Trent Reznor (Nine Inch Nails), etc. estuvieran 100% en función de la historia y que, sin embargo, tuvieran un atractivo en si mismo. El ritmo de la edición en los flashbacks y flashforwards y la cinematografía oscura que muestra Harvard de noche como si fuera una película de terror te hace preguntar "esta no era una película de Facebook?"

El guión fue escrito por Aaron Sorkin, conocido por su trabajo en TV (The West Wing). Sorkin es conocido por sus diálogos, por el ritmo que estos tienen y por las precisas palabras que usa para acentuar intenciones.

Sorkin asegura que nunca ha tenido cuenta de Facebook y ni sabía bien lo que era. Lo que le llamó la atención fue el libro The Accidental Billionaires de Ben Mezrich y lo que sacó de ahi no fue la historia de la novedad llamada Facebook sino, principalmente, la historia de una amistad rota entre Mark Zuckerberg y su mejor amigo Eduardo Saverin.

Estos dos personajes están a cargo de Jesse Eisenberg y Andrew Garfield. El primero crea un Zuckerberg  frio, envidioso y ambicioso, esos antiheroes que nunca dejan ver de forma clara sus intenciones, que pueden clavar puñaladas por la espalda pero que tienen ciertas características e inseguridades que hacen inevitable la identificación con ellos. Al lado contrario está Garfield, que su personaje Eduardo Saverin, a mi parecer, llega ser el alma de la historia, el único personaje limpio, no contaminado, que es traicionado al final por su mejor amigo. Esta es una película muy triste que te va mostrando a detalle la desintegración de una amistad por culpa de la envidia, el dinero y la ambición.

Otro tema que me dejó pensando mucho después de verla es el de la relación de Zuckerberg con las mujeres y principalmente con el personaje de la ex enamorada interpretada por Rooney Mara, lo cual hizo que la cinta recibiera acusaciones de ser misógina. Según la película, los origenes de Facebook se dieron en una página que Zuckerberg creó llamada Facemash en el que comparaba a las mujeres de Harvard según atractivo físico. Esta es una especie de venganza que hace contra el género femenino que nace de la rabia como consecuencia de lo que sucede en la primera escena de la cinta en la que su enamorada lo termina. "...you're going to go through life thinking that girls don't like you because you're a nerd. And I want you to know, from the bottom of my heart, that that won't be true. It'll be because you're an asshole." (Ouch!)

La rabia que genera esto es lo que lo motiva realmente a hacer lo que hizo y, al igual que Ciudadano Kane tuvo su Rosebud, el recuerdo de esta ex enamorada es lo que siempre lo va a llevar a un tiempo en el que la vida era más sencilla. Por eso no sorprende que la última escena de la película sea Zuckerberg frente a un monitor mostrando su creación, solo, buscando tener otra vez contacto con esa persona a través de un click.  Ese click que cambió las comunicaciones para siempre.