Lulu: Metallica, Lou Reed y una prostituta

Cuando se me vino la idea de tener un blog siempre fue con la idea de escribir desde la perspectiva de un fan y no de un crítico. Escribo de la gente que admira y de la que casi no reprocho, aun así me gane algunas críticas por eso. Este post sí va a tener algo de crítica porque va a ser acerca del último proyecto de una banda preferidas el cual ha sido muy criticado por un gran sector de la prensa especializada y de los fans. Me refiero al disco que nació de la colaboración entre Metallica y Lou Reed llamado Lulu.

Metallica y Lou Reed? Desde ahí la cosa ya es extraña y efectivamente el resultado lo fue. Cuando uno escucha el disco se puede notar que toda la sección temática y vocal le pertenece a Reed y la musicalización de la historia le pertenece a Metallica. Se criticó mucho el canto de Lou Reed porque la voz parece para otro tipo de música y viceversa y en parte es cierto pero eso no lo tiene que hacer necesariamente malo. El disco es un experimento, un riesgo hecho por un artista que siempre los tomo y por una banda que de vez en cuando saca el dedo del medio a la gente y dicen "vamos a hacer lo que nos da la gana" (Load).

Lulu es un disco conceptual que trata acerca de una prostituta. Esta prostituta lleva una vida sordida en el que usa a los hombres para su placer hasta puntos sadomasoquistas y para, obviamente, obtener dinero. En el disco las canciones se separan entre las cantadas desde el punto de vista de la prostituta y el resto cantado desde el punto de vista de los hombres que la desean y que tontamente se llegan a enamorar de ella.

De arranque escuchar a Metallica dentro de una temática como esta ya es extraño, pero más extraño es cuando uno se pone a escuchar bien las letras. "I'm your little girl, spit into my mouth" o "Little doggie face to a cold hearted pussy, you could have a taste". Este tipo de letras demuestran que estaban dispuesto en confiar en Lou Reed y en que no iba a hacer un intento ridículo de parecer artísticos porque sí. Lamentablemente esta es la opinión que muchos han tenido.

Un ejemplo es la canción "Pumping Blood", a mi parecer una de las más extañas del disco por su estructura pero principalmente por las letras y la forma en que Lou Reed las interpreta. La canción presenta un lado oscuro de la personalidad de Lulu (asumiendo que ese es el nombre de la prostituta) mostrando la fascinación que sienta con la idea de cortarse y sangrar. Se entiedne que es una fantasia porque habla en condicional pero demuestra hasta donde puede llegar para satisfacer las fantasias de un cliente o de ella misma.



"If I'm pumping blood like a common state worker,
If I waggle my ass like a dark prostitute, wuld you think less of me?"

En un momento fantasea con la idea de Jack el Destripador y como se entregaría a él.

"Oh Jack, Jack, Jack, I beseech you. Supreme violation!"

Pero el punto más extraño es cuando dice "I will swallow your sharpest cutter like a colored man's dick". No hay límites para Lou Reed, él quiere sórdido y va a dar sórdido. Me imagino a Hetfield pensando que felizmente no le tocó a él cantar esa parte.

En lo musical encuentro un par de problemas y cuando digo problemas no quiero decir que haga que el disco sea malo. Hace años cuando sacaron el disco "St. Anger" se notó la falta de solos de guitarras y eso molestó a mucha gente. Cómo iban a desperdiciar a Kirk Hammett de esa manera? Para el siguiente disco "Death Magnetic" se dieron cuenta del error y volvieron los solos pero en esta oportunidad, en Lulu, a Hammett casi no se le siente otra vez.

El otro problema, que se nota  mayormente en la canción "Dragon", la cual voy a poner a continuación, es que cada canción, musicalmente, es muy repetitiva. El riff principal se repite una y otra vez lo cual hace sentir que el rol de Metallica era crear una música de fondo para las letras de Lou Reed sin agregar un mayor valor. En el video se nota de forma muy clara.

Volviendo a la lírica, la canción "Dragon", fuera de sus limitaciones musicales que mencioné más adelante, es una de mis preferidas y principalmente por la letra y la interpetación que le da Lou Reed. Como escribía más arriba, parte de las canciones toman el lado de los hombres obsesionados con Lulu. En "Dragon" se representa el reproche, el resentimiento que sienten ls hombres que, aun así habiendo pagado, cometieron el error de enamorarse u obsesionarse con Lulu y que luego fueron usados por ella. Lou Reed canta en representación de todos ellos y dice cosas que cualquier hombre ha querido decirle en algún momento a una mujer.

"We were meant to be peons,
we were meant to be servants,
meant to be dissmisible objects one fucks with"

Una frase que me gusta mucho es "the one who rejects you is the winner". Eso dice mucho de algunas mujeres peligrosas por ahí. Contenidos como este no es algo que se escucha en discos de Metallica o en algo que Metallica esté involucrado. Lou Reed tiene la capacidad de comunicar ideas y sentimientos de formas muy sutiles y simbólicas como también de forma muy directa y agresiva. Que estas dos fuerzas se hayan juntado y hayan dado una obra incomprendida, al final de cuentas, puede ser algo bueno porque demuestra que todavía quedan artistas que quieren arriesgar y aceptan que no siempre van a gustar. Personalmente aplaudo el atrevimiento.

About Schmidt: ..... Dear Ndugu

Hay veces en que la unión de un director y un actor parece haber ido hecha por una fuerza superior que quería que el mundo viera un gran trabajo y una obra maestra. No hablo necesariamente de grandes asosiaciones como las super conocidas de Scorsese y De Niro o Scorsese y Di Caprio, sino de esas fugaces como la de hace tres años de Mickey Rourke y Darren Aronofsky para "The Fighter" o como la de Alexander Payne y Jack Nicholson para "About Schmidt", cinta de la cual escribiré en esta oportunidad.

Alexander Payne es uno de mis directores preferidos. Solo tiene 5 cintas filmadas (la última, "The Descendants", con George Clooney fue estrenada hace pocas semans y apunta a arrasar con los premios) y ya se ha posiconado entre los mejores de ese grupo de directores independientes salidos en los noventa como Solondz, PT Anderson, Wes Anderson, Jonze, etc. que comenzaron trabajando 100% de forma independiente haciendo películas pequeñas y que con el tiempo pudieron llegar a esa posición privilegiada de agarrar millones de los grandes studios y poder seguir haciendo lo que quieren. Me gusta Payne porque tiene esa mirada económica que aprecio. No mueve casi nada la cámara, cubre bién sus escenas y deja que el diálogo y sus actores lleven la historia. No es de los directores que dirigen de tal forma que con cada decisión que toman pareciera que quisieran ponese frente a la cámara y decir miren que loco dirijo. Para algunas personas que conozco su cine se hace un poco lento, aburrido y siendo todas sus películas parte drama y parte comedia ("dramedy") siempre escucho la queja de que no dan nada de risa. Bueno, a mi sí, a mi me han hecho reir y me han hecho llorar, como fue en el caso de "About Schmidt".

"About Schmidt" trata acerca de Warren Schmidt, un hombre en sus casi 70 años y del momento en que vida cambia para siempre. Schmidt es interpretado por Jack Nicholson en lo que podría ser la mejor actuación de su carrera, interpretando un personaje completamente opuesto a su figura pública y lo que la gente cree saber de él. La cinta comienza con Schmidt recién jubilado y de como vive tranquilamente con su esposa. Su vida cambia cuando su esposa muere repentinamente y decide acercarse de nuevo a su hija con la cual ha estado un poco distanciado y que quiere salvar de cometer el error de casarse con un perfecto imbécil. Con el estilo de Payne las situaciones se desarrollan entre la tragedia y la comedia de una forma natural y efectiva.

Siguiendo con la trama de la cinta, a lo largo de la historia Schmidt, por un acto de caridad, le escribe cartas a un niño de Africa llamado Ndugu enviándole un poco de dinero en un sobre. Schmidt usa estas cartas para quejarse y desahogarse de todas las cosas que le molestan de la vida como lo insoportable que se ha vuelto su esposa, de la persona a la cual le dieron su puesto en la empresa donde trabajaba después de jubilado, de como le molesta envejecer, etc. Esas cartas son el recurso que utiliza Alexander Payne para  hacernos conocer más a fondo a su personaje ya que escuchamos en off la mente de Schmidt hablando lo que escribe. La comedia en este caso nace de la desesperación que siente Schmidt por desahogarse que lo lleva al punto de aprovechar la carta que le escribe a un niño africano para lanzar todas sus penas acerca de un tipo de vida que el pequeño Ndugu no va a entender. Se puede notar también como la música de la escena impone el tono cómico de forma clara. En el cine de Payne la comedia nace de la frustración y la decepción, muestra que la vida es agridulce.

 

Schmidt viaja en su trailer por EEUU para buscar a su hija y pedirle que no se case con el idiota del novio. Inevitablemente se queda de huesped en la casa de la familia política de su hija y se encuentra con una familia disfuncional, maleducada y sencillamente extraña. Acá se puede notar como la comedia nace ahora de la incomodidad y el ojo de la cámara se vuelve complice de Schmidt mostrando a esta familia como seres raros pero sin llegar al punto de caricaturizarlos. El siguiente clip es un ejemplo de la extrañeza y la incomodidad que estos seres transmiten a Schmidt y al espectador.

Todo esto no significa que la cinta no tenga una cara seria y dramática que es la que contiene los temas de la cinta y las reflexiones que salen de ella.Warren Schmidt es un hombre muy triste y que se siente muy solo. Siente que no ha logrado nada significativo en la vida y que es un perdedor. En una de las últimas cartas que Schmidt le escribe a Ndugu este le dice "I'm weak... and I'm a failure" cuando se da cuenta que ha fracasado en su intento de salvar a su hija de casarse y entrar a esa familia de locos. Para Schmidt eso ya es tocar fondo, es no tener control de nada, que la vida le pasó y siempre le pasará por encima. Schmidt se pregunta en un momento que diferencia a hecho en el mundo y si su vida tuvo alguna relevancia para alguien y llega a la conclusión de que no.

El punto es que se equivoca, sí marcó alguna diferencia y sí afectó de forma positiva a la vida de alguien, se había olvidado de su amigo Ndugu. Acá se muestra a Jack Nicholson como nunca antes se le había visto en pantalla.

 

Warren Schmidt se da cuenta que hay alguien en el mundo que se preocupa por él y que quiere que sea feliz y como se nota en el final de la cinta, eso lo afecta de una manera muy profunda lo cual afecta al espectador también, por lo menos así es en mi caso. El último plano de la cinta con la cara de Nicholson llorando emocionado y sonriendo con esperanza es uno de los momentos más poderosos y emocionantes que había visto hasta el momento en una sala de cine. Payne demostró que con solo un primer plano quieto y un gran actor se puede conmover.

Me gustan las películas que te hacen reir y llorar y "About Schmidt" me hizo hacer las dos cosas. Para mi es el tipo de cine humano que te muestra la vida tal como es, con altos y bajos, felicidad y tristesa. Es el tipo de cine con el que uno se identifica y reflexiona y que al final sacas algo bueno después de haberla visto. Los cuestionamientos que se hace Warren Schmidt acerca del significado de la vida y de la insignificancia de uno con respecto al mundo son cuestionamientos que uno se hace por lo menos alguna vez en la vida y al igual que él uno aprende que la vida no es solo lo bueno y lo malo que te puede pasar a ti sino lo bueno y lo malo que uno lanza hacia el mundo osea hacia los demás. Todos podemos encontrar a nuestro propio Ndugu.

Peter Gabriel IV: sonidos del mundo con Peter Gabriel

Me da pena que tan poca gente de mi edad sepa quien es Peter Gabriel. Uno lo menciona y recibe respuesta como "ah sí, creo que sé quien es" o "sí, pero nunca he escuchado". Para mi Peter Gabriel es uno de los pocos músicos que uno puede decir que es único. Desde sus tiempos en Genesis, Gabriel demostró que se diferenciaría del resto, llegando al punto en que no podía ser más miembro de una banda y se separó después de la gira del disco conceptual "The Lamb Lies Down on Broadway" para ser el propio dueño de su destino aristico, tener su propia voz. Gabriel ha pasado por varios géneros, en el rock pasó por los subgéneros del rock progresivo junto con Genesis y el new wave, luego incursionó en el pop y en lo que se llama el "world beat" o "world music" para luego experimentar con sonidos electrónicos y piezas orquestales. El tema de este post es el cuarto disco de Peter Gabriel.

Cuá es el nombre de este disco? No tiene. Para Peter Gabriel los nombres de los discos no siginificaban mucho ni aportaban nada al producto final. Sus cuatro primeros discos no tienen nombre por lo que son conocidos sencillamente como I, II, III y IV. Para este cuarto disco Peter Gabriel ya había salido de la relativa oscuridad en la que estaba al separarse de Genesis ya que, aun así siendo el ex vocalista de una banda reconocida, tuvo que empezar su carrera basicamente desde cero. Su tercer disco tuvo un sonido relativamente comercial lo cual elevó su popularidad y le dio libertad de experimentar con sonidos que no mucha gente tenía en esa época. Para el cuarto disco dejó salir, a mi parecer, su lado más creativo y curioso, exploró temáticas que un rock star no suele tocar y texturas muy interesantes, dando un album único, elaborado y sobretodo difícil.

El disco consta de 8 canciones que tocan temas poco usuales dentro del mainstream de la época (inicios de los 80s). A Peter Gabriel le interesaba explorar culturales diferentes a la occidental y anglosajona y a su vez tocar temas políticos y sociales. Es por eso que en este disco dedica canciones a tocar temas como la situación de presos políticos en dictaduras en el mundo ("Wallflower") o habla de la experiencia que sintió Carl Jung al ver una tribu africana tocar su música típica en Sudan. Esta canción se llama "The Rhythm of the Heat", una de mis preferidas del disco. Gabriel la canta en un tono misterioso para jalarte poco a poco a los ditintos momentos de la canción para terminar con un conjunto de tambores africanos que opacan los demás intrumentos y hace terminar la canción en un pico de energía. La canción transmite un misticismo y una devoción hacia lo la experiencia nueva, al dejarse llevar por ritmos ancestrales que nada tienen que ver con nuestras vidas.

"Self-conscious, uncertain
I'm showered with the dust.
The spirit enters into me
and I submit to trust."

Otra canción destacada que continua con esta exploración hacia otras culturas es "San Jacinto". Un dia conversando con un nativo americano, Peter Gabriel aprendió acerca de una tradición nativa en que, para que uno sea considerado un hombre de verdad, a los 14 años tienes que pasar por ua prueba de vida el cual consiste en dejarse morder por una serpiente cascabel en un punto del desierto y lograr regresar bajo tus propios medios a la tribu. La letra de la canción va narrando la experiencia desde que sale de la tribu, va entrando al desierto y pasa por el calvario de sobrevivir al veneno de la serpiente. Peter Gabriel aprovecha para criticar el menosprecio que se siente por la cultura nativa en norteamerica. 

"I hold the line, the line of strenght that pulls me through the fear.

San Jacinto, I hold the line.

San Jacinto, the poison bites and darkness take my sight.

I hold the line:"

Es interesante escuchar como Gabriel utiliza la tecnología para componer una canción que toca temas de culturales ancestrales. Casi toda la canción está tocada con sintetizadores y loops, intrumentos y sonidos los cuales Peter Gabriel usaría a lo largo de su carrera.

Ahora un poco de pop. Se que pop es una plabra no muy querida por muchos pero hay saber diferenciar lo que es pop de industria, de fórmula y pop bien hecho, con propuesta, pop que se podría llamar de autor. Peter Gabriel hizo canciones pop en los 80s y 90s pero lo hizo porque quería experimentar con ritmos y la tecnología de la época los cuales eran los sintetizadores que llenaron muchas canciones en los 80s. En la canción "Shock the Monkey" se puede sentir esa propuesta y su diferenciación aun así se haya escuchado en discotecas de todo el mundo. Además el video musical mostraba un lado oscuro de Peter Gabriel lo cual no va mucho con la imagen de una canción pop.

El disco termina de forma alegre, tan alegre que Peter Gabriel quiere que dejes tus cosas y te pongas a bailar. En "Kiss of Life" Gabriel introduce ritmos latinos al disco y lo deja en una nota alegre habiendo tenido este un tono serio, solemne y de cierta forma apagado. Es gracioso averiguar de que trata la letra ya que uno descubre que la letra trata acerca de la técnica de reanimación RPC por lo que el nombre "Kiss of Life" agarra mucho sentido.

"Down at the ocean lies a body in the sand.

Big woman sits beside, hands in head.

With heat from her skin and fire from her breath

she blows hard, she blows deep in the mouth of dead."

Este fue el primer disco que tuve de Peter Gabriel solista y me dejó muy impresionado. Me sorprendió la actitud de "cero límites" con el cual enfoca sus trabajos. Para Gabriel no hay ritmo ni sonido que esté prohibido o que no le pueda ir a su música. El cuarto disco de Peter Gabriel representa la curiosidad del artista que quiere ir más allá de lo que su cultura le manda, que quiere conocer, experimentar, sentir lo que sienten otras personas y otras culturas. Al escuchar el disco pensé automaticamente que este hombre es diferente y que profundizar en su carrera me iba a permitir conocer estilos que en muchos otros artistas no iba a poder conocer. Uno se puede hacer un favor y darse el tiempo de descubrir tremenda música.

Do the Right Thing: intolerancia y racismo con Spike Lee

Hace unos meses escribí acerca de la cinta "25th Hour" (La Hora 25), película del año 2002 dirigida por Spike Lee. Si mal no recuerdo puse que esa cinta es, a mi parecer, la mejor de Lee. Tengo que decir que hay una cinta que puede que esté muy cerca, casi empatada de ser la mejor cinta de Lee y esa es "Do the Right Thing" del año 1989.

Para ese año Spike Lee solo había dirigido dos cintas: "She's Gotta Have It" (1986) y "School Daze" (1988). En esas películas Lee demostró por un lado un estilo muy peculiar y por otro lado el tema de la condición de los afroamericanos en Estados Unidos. Aun así nadie se imagino que este joven realizador iba a golpear fuerte con su tercera obra, una cinta que marcó una época, que impuso un estilo propio y que mostró de una forma muy sincera y cruda una realidad que se da en EEUU y en cualquier parte del mundo que es el de la tensión racial y como esta nos puede afectar a todos.

La cinta es protagonizada por el mismo Spike Lee, John Tutrurro, Danny Aiello, Ossie Davis, Samuel L. Jackson y Martin Lawrence, entre otros ya que esta es una cinta de  las llamadas "coral" ya que tienen muchos personajes y aun así hayan algunas más protagonicos que otros, las escenas van asaltando hacia cada uno de ellos en varios momentos de la cinta.

"Do the Right Thing" te muestra un dia de verano en una cuadra en el barrio de Bed-Stuy en Brooklyn, New York. Es un barrio de mayoría afroamericana pero donde también conviven, en una clara minoría, latinos, asiáticos e italoamericanos. La cinta sigue principalmente a dos personajes: Sal, interpretado por Danny Aiello, y Mookie, interpretado por el director de la cinta Spike Lee. Sal es el dueño de una pizzería que maneja junto a sus dos hijos y que tiene de empleado a Mookie como repartidor. Alrededor de ellos viven muchos personajes más que vamos conociendo poco a poco y que viene a ser símbolos de muchos problemas que tiene nuestra sociedad como el ser joven sin trabajo, el ser intolerante hacia la gente distinta que uno, etc.

Como les decía, Spike Lee es un director con un estilo muy particular. Lee no tiene miedo de utilizar todo tipo de ecurso audiovisual y de puesta en escena para para explotar al máxima una escena o una idea que quiere plasmar en pantalla. En el cine de Lee uno ve close ups casi deformantes gracias a los lentes gran angular, planos aberrantes (los cuales se van a poder ver en clips más adelante) y hasta se manda  romper la cuarta pared, esa pared invisible que separa al espectador de la narración. En una secuencia muy importante de la cinta se puede ver eso. 

La secuencia es importante porque muestra la originalidad de Spike Lee para plantear de forma más clara y directa para el espectador la rabia e intolerancia que sienten los personajes al ponerlos a hablar hacia la cámara, notando como la primera mitad del clip se filma de forma más convencional. Por otro lado se muestra la tensión racial que existe en ese lugar y te convence que lo que estamos viendo es una bomba de tiempo a punto de estallar.

Spike Lee suele mover mucho la cámara y es conocido por tener un estilo de edición muy dinámico. Aun así, cuando la escena lo amerita, toma decisiones distintas como filmar una escena en un plano secuencia, osea sin cortes. El plano secuencia sumado a la forma que musicalizan la escena con jazz hace que la tensión vaya aumenando poco a poco. Esta escena es una de mis preferidas.

 

Volvamos al argumento. Como les contaba, la cinta trancurre en un día en una cuadra del barrio de Bed-Stuy en Brooklyn, New York. Sal, el dueño de la pizzeria donde trabaja Mookie, tiene una pared donde pone fotos de italoamericanos famosos. Un dia, un chico buscapleitos del barrio apodado Buggin' Out le recrimina a Sal el por qué no tiene fotos de afroamericanos en la pared, la situación se calienta y Buggin' Out inicia un intento de boycott contra Sal y su local.

 

A lo largo de la cinta uno va viendo como la tensión va creciendo mientras el día va acabando. Lo que parecía ser una anécdota se convierte en una situación peligrosa cuando Buggin' Out y Radio Raheem, miembro un poco violento del barrio que se caracteriza por llevar consigo siempre una radio escuchando rap, van a cerrarle el local a Sal hasta que ponga fotos de afroamericanos famosos en la pared. Es en esta escena donde la burbuja explota y donde los personajes van hacia un punto del cual no pueden regresar. Empieza una lucha fisica entre italianos y negros que obliga una intervención policial la cual muestra la brutalidad de estos al matar a Radio Raheem. Esto genera la ira del barrio que se desahoga en Sal y sus hijos haciendo que Mookie le de la espalda al hombre que le dio empleo por varios años. Basta un simple grito "HATE!" (ODIO!) para que se desate el infierno.

Noten los planos aberrantes, la edición y la forma en que algunas personajes actuan con la cámara para que se den cuenta de como Spike Lee utiliza el lenguaje cinematográfico para dar la sensación de caos y tensión.

 

La secuencia es larga por lo que está cortada en dos clips, vale la pena verla completa.

 

Cuando veo esta cinta no puedo evitar sentir una indignación muy grande y admito que la primera vez que la vi salió una lágrima a causa de esa indignación e impotencia de ver una imágen de intolerancia y odio tan fuerte como la que se puede ver en los dos últimos clips. Un momento patético, que se ve en el último clip, en que uno de los mayores del barrio, luego de haber quemado el local de Sal, quiere ir a hacer lo mismo donde el koreano bodeguero que nada tenía que ver en el asunto. El koreano le desesperado le grita "I'm black, me and you the same" ("Soy negro, tú y yo lo mismo") lo cual hace que se rian y lo dejen de paz de pura pena.

Esta es una cinta que te deja pensando mucho, por lo menos a mi me dejo así. Quién tuvo la culpa? Hay bueno y malos en esta historia? Acaso Buggin' Out no inicio todo tratando de cerrar  la pizzeria de Sal? Se pudo haber evitado la muerte de Radio Raheem viendo que el mismo estuvo apunto de matar a Sal? Spike Lee pudo haber hecho que en la cinta todos los afroamericanos sean unas pobres víctimas de los blancos como se puede ver en otras películas primarias y complacientes. Lee no solo ve la paja en el ojo ajeno y aunque parezca a simple vista que esta es una cinta reivindicatoria hacia la comunidad afroamericana, a mi parecer no lo es. Lee quizo mostrar lo que pasaba y lo que se sufría en su comunidad pero a la vez quizo dejar un ejemplo de lo que NO se debe hacer. Acá todos son culpables. Para ver lo horrible del racismo no es necesario mostrar víctimas y victimarios, se muestra de forma más real cuando les abres los ojos a las personas y les haces ver que el racismo puede darse hacia todas las direcciones y que al final todos pierden. Todos pueden ver esta película y aprender una lección.

Como extra comparto con ustedes el videclip de "Fight the Power" de Public Enemy con el genial Flavor Flav del soundtrack de la película, dirigido también por Spike Lee.

2112: ciencia ficción de Rush

La banda de culto más popular del mundo. Así se le define a la banda canadiense Rush, banda con más de 35 años de vida, que ha tenido muchos picos en su carrera siendo uno de estos el disco "2112" del año 1976, disco del que escribiré en esta oportunidad.

Rush es una banda especial por muchas razones. Músicalmente tiene a unos de los mejores músicos de la historia del rock dentro de su propio instrumento. Alex Lifeson en la guitarra, Geddy Lee en el bajo y la voz y  en la batería tenemos al grande, al maestro Neil Peart. Musicalmente, durante los 70s, estaba en el punto medio entre dos estilos, el hard rock y el rock progresivo. El atractivo de Rush era que te daba la fuerza y los riffs a lo Black Sabbath o Led Zepellin y te daba la complejidad de bandas progresivas como Genesis y Yes. Temáticamente era una banda que en los 70s, y más aún en el disco "2112", se orientaba mucho por la ciencia ficción y la filosofía por lo que siempre, en el ambiente del rock, se ha dicho de forma bromista que los fans de Rush son los "lornas" del rock, los "trekkies" haciendo referencia a como se les llama a los fans de la saga Star Trek.

Vayamos al album en mención. "2112" es un disco que contiene una pieza épica de 20 minutos llamada también "2112" que en el LP ocupada todo un lado. La segunda mitad del disco está compuesta por cinco canciones más cortas y sencillas pero que demostraron en el momento que Rush también podía hacer canciones un poco más comerciales. El album salió en un momento en que la banda estaba apunto de perder el contrato con Atlantic Records dado que su disco anterior "Caress of Steel" fue un fracaso comercial y de crítica. La discográfica los presionaba para que hagan un disco comercial para subir las ventas y lo que hicieron al final, en un acto de rebeldía, fue sacar un disco con una canción de 20 minutos de ciencia ficción partida en siete secciones. La discográfica entró en pánico pero "2112" logró conectarse con el público y fue ahí donde Rush inició su camino a convertirse en una banda de culto y a crear una fanaticada fiel.

¿Por qué conectó tanto con el público una canción de 20 minutos que cuenta una historia? Se dice que fue por la historia misma. La letra, escrita por el baterista Neil Peart (encargado de escribir todas las letras hasta hoy), cuenta una historia situada en el año 2112 en el que los pocos humanos que quedan sobre la Tierra son dominados por una raza alienígena que forma la Red Star of the Solar Federation que han reprimido todo impulso creativo e intento de individualidad imponiendo una igualdad de pensamiento totalitaria. El protagonista de la historia es un joven que intenta de forma muy ingenua romper el orden establecido (mayor detalle más adelante). La rebeldía que representaba la canción y el personaje hizo que muchos jovenes se identificaran con la idea de no ser comprendido y de querer levantarse contra la autoridad, llamese padres, colegio, gobierno, etc. Peart fue inspirado por la obra de la escritora Ayn Rand la cual parte de su filosofía apuntaba a los derechos del individuo a diferenciarse del colectivo y que las decisiones de uno tenían que ser de alguna forma "egoístas" hacia el resto. Ciencia ficción y filosofía, ahora ya saben porque se les les considera "lornas"  a los fans de Rush.

Creo que la forma más sencilla de escribir acerca de esta canción es partiendo sección por sección. Por suerte Youtube lo tiene partido así también, aunque obviamente es muy recomendable escucharlo todo de golpe. La primera parte se llama "Overture", es una pieza instrumental de más de cuatro minutos de puro hard rock. Podemos apreciar diversos cambios de ritmo, solos de guitarra de Lifeson y en general la potencia que tenía Rush en ese momento de carrera. 

La segunda parte, llamada "The Temples of Syrinx", presenta a los villanos de la hisotoria, los sacerdotes y líderes de la galaxia que domina a varios planetas incluia la Tierra. Geddy Lee canta de una manera muy agresiva la letra que muestra como es esta opresión a la cual someten a los pocos hombres que quedan.

"We've taken care of everything,

the words you hear, the songs you sing,

the pictures that give pleasure to your eyes."

La tercera parte es una obra de arte. Se llama "Discovery" y cuenta el momento en el que el héroe de la historia descubre dentro de una cueva detrás de una catarata un intrumento antiguo que cuando tocas sus cuerdas hace un sonido muy peculiar.

"What can this strange device be?,

when I touch it gaves forth a sound,

it have wires that vibrate and give music,

what can this thing be that I found?"

La ingenuidad del personaje lo hace pensar que ese descubrimiento es una gran novedad y que los sacerdotes recibirán este descubrimiento con los brazos abiertos.... pobre iluso.

"I can't wait to show this new wonder,

the people will all see it's light,

let them all make their own music,

Priests praise my name on this night".

Toda esta sección esta compuesta solo por la guitarra de Lifeson. La genialidad está en que al inicio Lifeson toca la guitarra como si de verdad fuera alguien que recién la está descubriendo y que poco a poco está aprendiendo todo lo que puede dar haciendo que la música se ponga cada vez más compleja. Todo acompañado del sonido de la catarata de fondo.

En la parte cuatro, "Presentation", el protagonista lleva este aparato donde los sacerdotes pensando que va a ser premiado y lo encuentra es rechazo. No solo eso sino que los sacerdotes le quitan la guitarra y la rompen, rompiendo así también su sueño de darle a la sociedad algo más profundo que permita expresarse más. 

la sección está compuesta con la estructura estrofa/coro/estrofa/coro. Se puede apreciar como, tanto música como canto, define muy claramente la posición del héroe y del los sacerdotes. En la estrofa el protagonista muestra la guitarra con una voz muy dulce, inocente, ingenua, cantada magistralmente por Geddy Lee. La guitarra es melodiosa y el ritmo muy suave.

"Listen to my music,

here what it can do,

there's something here as strong as life,

I know that it will reach you".

Por otro lado los coros representan a los sacerdotes. Geddy Lee cambia en un segundo su voz y se vuelve agresiva, déspota y la música se vuelve pesada.

"Yes, we know, it's nothing new,

it's just a waste of time,

we have no need for ancient ways,

the world is doing fine".

La quinta parte es llamada "Oracle: The Dream". Esta formada por un sueño que tiene el protagonista en el que un oráculo lo lleva a un planeta lejano donde ve como otros hombres que pudieron escapar de la Red Star of the Solar Federation viven en armonía y en un ambiente donde se pueden expresar de diversas formas.

Esto nos lleva a la sexta parte llamada "Soliloquy" en el que nuestro héroe ha pasado dias metido dentro de la cueva donde encontró la guitarra, deprimido por conocer a través de su sueño una realidad que nunca va a ser la suya. Cantado de forma muy intensa por Geddy Lee, la historia llega a su climax cuando el protagonista se suicida cortandose las venas y muriendo dentro de la cueva. Rush se da el lujo de meterle tragedia a sus discos.

"Just think of what my life might be,

in the world that I have seen,

I don't think I can carry on,

carry on in this cold and empty life."

La última parte de la canción "The Grand Finale" termina con una sección instrumental de nuevo de hard rock clásico mostrándo la potencia de la banda y los riffs de guitarra de Lifeson que de todas maneras sirvió de influencia para bandas como Metallica. También termina con un toque de ironía ya que después de escuchar como el héroe se ha suicidado porque no ve forma de escapar de su triste realidad, se puede escuchar una voz que dice que la Federación está siendo conquistada por una civilización mucho mejor. 

El disco tiene otras canciones buenas como "Tear" y "A Passage to Bangkok" pero el atractivo y lo que le da la denomicación de disco conceptual es la canción del mismo nombre. 

Rush le dio la espalda a su discográfica y le abrió los brazos al público mientras fueron fieles a ellos mismos. Eso es una banda con integridad y una banda con una propuesta y algo que decir. A Rush nunca le importó seguir la moda o imponerla, es una banda que nunca va a estar entre las bandas preferidas clásicas de cualquier persona como los Beatles o Led Zepellin. Obviamente sin desmerecer esas bandas, pero es muy divertido encontrar bandas clásicas que no han sido tan escuchadas, analizadas y explicadas. Es cool decir escucho Led Zepellin pero no es cool decir escucho Rush, que chucha. Que viva el rock "lorna".

A Clockwork Orange: la naranja cumple 40 años

Hace unos dias me percaté navegando en internet (odio esa expresión) que "A Clockwork Orange" (1971) o, en español, "La Naranja Mecánica", cumplía 40 años de ser estrenada. Como todos seguro saben esta obra maestra fue escrita y dirigida por el genio Stanley Kubrick, el cual estaba en la etapa más creativa de su carrera y con mayores ganas de crear polémica y sí que la creó. A Clockwork Orange fue prohibida en más de un pais siendo Inglaterra el caso más representativo, es más, el mismo Kubrick fue el que pidió que se retirara de las salas en Inglaterra porque habían denuncias de "copycats", en otras palabras personas que quisieran imitar los actos vandálicos que se ven en la cinta.

La cinta, basada en la novela del mismo nombre escrita por Anthony Burgess, toca temas como la violencia y el libre albedrío planteando la pregunta ¿qué vale más, un hombre con la opción de elegir hacer el mal o reducir al hombre a no poder decidir en absoluto sus acciones? La historia transcurre en un futuro cercano en Inglaterra en el que existen pandillas juveniles muy estilizadas, por decirlo de alguna manera. Trata acerca de Alex de Large, interpretado espectacularmente por Malcolm McDowell, un delincuente juvenil fanático de Beethoven (luego se entiende porque es importante ese detalle) líder de una pandilla de desadaptados, al cual llama sus "droogs" que se dedican a salir todas las noches a cometer actos de "ultraviolencia", forma en que describen los actos vandálicos que cometen. Al inicio de la cinta se ve como Alex separa su tiempo entre estar en su casa durante el día, viviendo con sus padres los cuales ignoran las acciones de su hijo, y los crimenes que comete con su pandilla en las noches los cuales incluye golpear salvajemente a un pobre vagabundo anciano, pelarse con una pandilla rival después de que esta trata de violar a una chica, invadir la casa de una pareja golpeando al esposo y violando a la esposa delante de él. Luego más adelante en la cinta Alex es traicionado por sus "droogs" y encarcelado para ser luego sometido a una técnica que lo reduce a ser una "naranja mecánica" pero de eso se hablará más adelante.

No tengo reparos en decir que esta cinta es única. Kubrick, inspirado en el universo creado por Burgess en su libro, filmó la película de una manera muy estilizada la cual se volvería su estilo característico y que pocas personas se han atrevido a imitar. Digo imitar porque las elecciones que hace Kubrick en como filmar cada escena hizo que la cinta sea completamnete original en su época, el uso de zooms, de lentes, cámara lenta y de la música, hizo de Kubrick un referente y un iconoclasta, un adelantado para su época. Solo viendo el inicio de la película uno se da cuenta que está empezando a ver algo sin igual y entrando a un mundo despiadado.

Kubrick pudo intepretar cada descripción que Burgess hace en su libro acerca del comportamiento de los pesonajes, de la vestimenta y en general del entorno en que transcurre la historia que combina un ambiente futurista (por lo menos para inicios de los 70s) con elementos que para ese entonces eran "vintage". Todo esto lo combino con una puesta en escena que servía a la historia pero a que la vez servía al virtuosismo de Kubrick. Vean en el siguiente clip como el plano comienza cerrado y con un zoom out se va abriendo para revelar las sombras de la pandilla acercandose a un desafortunado vagabundo. Esa forma en que la cámara va mostrando por etapas los elementos de la escena es una de los tantos elementos que demuestran el estilo de la cinta.

Algo que personalmente me impacto y que se puede notar facilmente en la cinta, son los momentos en que "ya no importa" mostrar algo de forma realista. Kubrick muestra una realidad exagerada, pomposa, alocada y casi teatral. Por momentos llega al punto de mostrar escenas de forma casi paródica o burlona para el espectador como la escena mostrada a continuación en que se puede notar facilmente como usan un efecto especial cadúco que le da un toque caricaturezco a los personajes. Esa es otra razón por la que A Clockwork Orange rompió esquemas en su tiempo.

 

Como mencionaba más arriba, el uso de la cámara lenta y de la música son elementos importantes en el estilo de la película. Kubrick le dio un ritmo muy especial a varios momentos de la cinta combinando la cámara lenta con música de Beethoven en referencia a la fascinación que el personaje principal siente por ella. En el siguiente clip se puede apreciar como Alex al escuchar Beethoven a lo lejos saliendo de una ventana decide cometer un acto de violencia contra sus propios "droogs". La cámara lenta hace que pareciera que la música haya sido compuesta especialmente para la película cuando en verdad fue compuesta siglos antes. La combinación de todo, ritmo, música y las actuaciones vuelven a la escena casi operática.

 

Cuando el libro que inspiró la película se publicó, en el año 1963, no solo sorprendió por las reflexiones que hacía acerca del libre albedrío y por la descripciones de "ultraviolencia" que mostraba. Un elemento fue el lenguaje llamado "Nadsat" que Burgess inventó solo para el libro (traten de entender que dicen). El objetivo de dicho lenguaje era mostrar el propio mundo en que viven estas pandillas juveniles y los códigos ajenos al del resto de la sociedad. Se puede notar que ni un personaje adulto o que represente a la autoridad o el gobierno habla de esa manera. Alex principalmente lleva este dialecto a niveles de elegancia que hace a su personaje más contradictorio aún. Cuando habla, Alex de Large es todo un caballero. Esta escena fue la que me dejó enganchado cuando vi la película por primera vez a los 13 años. La música, la forma de hablar de Alex y la recriminada de su "droog" Dim después de ser golpeada me llevó a un mundo surrealista, de ensueño.

"Yarbles! Great bolshy yarblockos to you. I'll meet you with chain or nozh or britva anytime, not having you aiming tolchocks at me reasonless. Well, it stands to reason I won't have it."

 

Para mi la película cambia en el momento que Alex es traicionado por sus "droogs" y encarcelado. Todo el ambiente futurista y surrealista que se nota en las escenas en que la ultraviolencia era protagonista con las cámaras lentas, la teatralidad y los diálogos en Nadsat se ausentan casi del todo y la cinta cambia a una visión más neutral. Digo neutral porque, a mi parecer y aun así Alex sea siempre el narrador, la primera mitad es mostrada de la forma en que él ve el mundo. Cuando lo arrestan su visión es oprimida y la autoridad controla su vida por lo que se podría decir que la autoridad ahora maneja la película.

 

Pero no deja de haber su cuota de caricaturismo como con el personaje del jefe de guardias en la cacel donde meten a Alex que le da un toque de ligeresa a la cinta.

 

Ahora, volviendo a los temas de la cinta, les decía que el tema de "A Clockwork Orange" principalmente es el del libre albedrío. Alex, encarcelado, es sometido al "Tratamiento Ludovico" que consiste en forzarlo a ver puras imagenes de violencia para crear una reacción inversa a ella. Esas imagenes, por casualidad, son musicalizadas con la música de su querido Ludwig Van Beethoven, del cual es fanático, haciendo que no solo tenga rechazo físico a la violencia sino a la música de Beethoven.

 

Al pobre Alex le quitan lo que más le gustaba en la vida, la violencia y a su querido Ludwig Van. Es ahí donde se ve de forma más clara la relevancia de esta historia. Hasta que punto se puede deshumanizar a alguien sin importar quien sea o que haya hecho? Es mejor que hayan personas con libre albedrío y confiar en que harán el bien a volverlos mecánicos? Alex de Large era una amenaza a la sociedad y dejó víctimas a su alrededor pero luego él mismo se vuelve una víctima de la autoridad. En la cinta, Alex luego de su tratamiento es sometido a pruebas que demuestran que es incapaz de generar violencia al demostrar como no se puede defender de un ataque físico volviendolo un desprotegido. 

A Clockwork Orange - Clip It Works por ohmygore

Cuando vi "A Clockwork Orange" por primera vez me impacto mucho. Me pareció una obra única que me obsesionó y me obligó a tener que verla una y otra vez. La forma en que mostraba la violencia me pareció apasionante. Como actos tan grotescos podían ser mostradas de forma tan elegante o de forma de tan surrealista. Es difícil describir que sentí cuando vi esta obra maestra, al igual que para mucho es dificil describir lo que es el cine de Kubrick. "A Clockwork Orange" confunde, fascina, te hace sentir culpable de simpatizar con alguien tan detestable como su personaje principal. Me imagino lo que debe haber sido verla cuando salió recién estrenada y no saber que esperar. Debió haber sido alucinante, que envidia.

Adore: Smashing Pumpkins ya no le canta a la juventud

Año 1998, Smashing Pumpkins está en la cima del exito a tres años de haber sacado su disco doble Mellon Collie and the Infinite Sadness. Billy Corgan es una de las mayores estrellas del rock del momento, está rumbo a convertirse en una de las figuras más icónicas ddel rock de la década de los 90s. Qué decide hacer como siguiente proyecto? Un disco denso, difícil y, para muchos, deprimente. Billy Corgan decide romper con su pasado, aislarse de sus fans y experimentar con nuevos sonidos. Ese disco se llama Adore.

Cómo la estaba pasando Billy Corgan en esa época? Con escuchar el disco uno se puede dar cuenta. Corgan se acababa de divorciar, por otro lado su madre falleció de cáncer lo cual influyo on gran parte de la temática del disco. Algo muy importante también fue la expulsión del baterista Jimmy Chamberlin de la banda a causa de su adicción a la heroína, dejando a la banda como un trio con James Iha en la guitarra y D'arcy en el bajo.

 Es por eso que Adore es un disco apagado y denso, como lo mencionaba en el párrafo anterior. Es un dsico que habla acerca de la pérdida, la pérdida de un ser querido, la pérdida del amor. Musicalmente es un disco completamente alejado de lo que que era el estilo Pumpkins. Lo que más se nota es la falta de batería en varias canciones, Corgan aprovecho la falta de su baterista histórico para experimentar con las pistas pregrabadas, loops y drum machines. Por otro lado la composición no siempre gira en torno a las guitarras sino en el teclado dejando a la guitarra y al bajo my al fondo de la mezcla, como acompañamiento. Todo esto hizo que el disco no gustara del todo al público juvenil rockero que estaba acosutumbrado a las guitarras distorsionadas que se vieron atrapados por este disco mitad acústico mitad eléctrónico.

Adore da canciones muy distintas entre si lo cual lo hace muy interesante. Tiene algunas pocas canciones rock/pop que sirvieron como singles como "Ava Adore", canción oscura que muestra guitarras de forma convencional pero que incluye loops de batería dándole un peso especial. "Ava Adore" es acerca de una obsesión oscura, negativo, poco sana. 

 "And you'll always be my whore,

'cause you're the one that I adore"

Por otro lado Adore tiene canciones casi 100% electrónicas como es el caso de "Apples + Oranges". Es una canción muy rara en la historia de la banda. Una canción sin guitarra ni bajo, lleno de teclados e impulsado por un beat pesado. Se puede entender que por canciones como esta los fans se puedan haber sentido traicionados y pensar que los Pumpkins ya no eran su banda. A mi parecer uno debe entender que un verdadero artista no va a ir repitiéndose a si mismo mil veces y para los rockeros la música electrónica es terriotorio inhóspito.

"Blank Page" puede que sea una de las canciones más bonitas que Corgan ha compuesto en su carrera. Es una canción atemporal, emotiva y evocativa. Es una canción compuesta sobre teclados en el canta acerca de un amor pasado, el vacío que ha dejado y el impuslo de buscarla otra vez. Es una canción que transmite una nostalgia muy fuerte.

"I catch the rainfall through the leaking that you have left behind,

you remind me of that leak in my soul"

Temáticamente, como lo mencionaba más ariba, Adore es un disco acerca de la pérdida. En canciones como "Crestfallen" o "Tear", Corgan le da una mirada muy triste a la balada romántica. Música y letras te transmiten una sensación de vacío, tristesa y resignación. En "Tear" la banda está acompañada por una pieza de cuerda que le dan un toque más trágico a la canción (lamentablemente Youtube ha bloqueado las versiones de studio de varias canciones del disco por lo que tengo que poner una versión en vivo que suena más rockera de lo que suena en el disco).

"Where is your heart? Where is your heart gone to?

Tear me aparte, tear me apart from you

You laugh the light, I cry the wound in gray afternoons"

A Billy Corgan la mueerte de su madre lo inspiro a escribir algunas de las canciones del disco y en definir el tono de este. "For Martha" es una canción espectacular que muestra la ambición musical de Corgan en el momento. Es una balada con toques progresivos en el que recuerda a su madre que falleció poco antes de grabar el disco y le canta acerca del eventual momento en el que encontrarán en un lugar mejor. 

"If you have to go don't say goodbye,

if you have to go don't you cry,

if you have to go I will get by,

someday I'll follow you and see you on the other side"

Como siempre Billy Corgan desnuda su alma y sus sentimientos. Los Smashing Pumpkins, gracias a la sinceridad de su lider a la hora de componer, sacaron canciones que sencillamente se pueden describir como bonitas. Adore es un disco único en la trayectoria de la banda y un disco único para la época. Corgan dijo en una entrevista que ya no quería cantarle a la juventud sino que quería ser más universal, cantarle a todo el mundo y con las decisiones artísticas que tomó se aeguró de crear un disco que cualquier persona de cualquier sexo y edad pueda escuchar y apreciar. A mi me dejó impresionado a los 16 años cuando lo escuché por primera vez. Me pareció un disco mágico el cual sus texturas, melodóas y letras me hacían sentir muchas cosas a la vez, algunas indescriptibles. Si Corgan logra sacar discos como este cuando NO le quiere cantar a la juventud, entonces que no le cante nunca más.